Paradójicamente, fue solo cuando dejó la cámara y tomó los pinceles en busca de una perspectiva diferente -tal vez vio en ella nuevas posibilidades prometedoras- que nunca había podido capturar con una lente, que Volk sintió la cercanía de lo que había estado buscando y no pudo encontrar. Después de todo, reflexionó, el objetivo de su interminable búsqueda no tenía nada que ver con el delicado verde de los campos de arroz, el colorido bullicio del mercado, el llanto de un niño y la arcilla de la trinchera; ella existía dentro de sí mismo, en la amargura de su propia memoria y los fantasmas que habitaban sus orillas. En las líneas del dibujo y las manchas de color, los trazos pulcros y sin prisas que tienen éxito solo cuando el corazón late de manera uniforme, y los viejos dioses lamentables con sus odiosas pasiones dejan de molestar a una persona con ira y misericordia.
Panorama que representa la guerra. Tales imágenes sorprenden a todos, ya sea un conocedor o un espectador inexperto; y Volk se puso a trabajar con el mayor celo, utilizando minuciosamente todos sus modestos medios técnicos. Antes de adquirir esta torre y establecerse en ella, coleccionó materiales durante varios años, visitó museos, estudió un género que no le había interesado en lo más mínimo antes, incluso durante su aprendizaje y pasión juvenil por la pintura. De los salones de batalla de El Escorial y Versalles a los frescos de Rivera y Orosco, de las ánforas griegas al molino del Fraile, de libros especiales a obras expuestas en museos de Europa y América. Los ojos de Volk, absorbiendo con avidez imágenes de guerra durante tres décadas seguidas, comprendieron veintiséis siglos de iconografía militar. Su fresco fue el resultado de estas búsquedas; lo tenía todo: guerreros con armaduras sobre terracota roja o negra, legionarios grabados en la columna de Trajano, el tapiz de Bayeux, el Fleury de Carducho, San Quintín de Luca Giordano, la matanza de Antonio Tempesta, La batalla de Anghiari » Leonardo da Vinci, los grabados de Calot, los de Collantes El fuego de Troya, El dos de mayo y Los desastres de Goya, El suicidio de Saúl de Brueghel el Viejo, Los robos e incendios de Brueghel el Joven y Falcone, La batalla de Borgognone, Tetuán Fortuny, Los granaderos y jinetes napoleónicos de Meissonier y Detaille, Moulin y Rode Carga de caballería en línea, La toma del monasterio de Pandolfo Reshi, La batalla nocturna de Mateo Stoma, La lucha medieval de Paolo Uccello y muchas otras obras maestras que estudió durante todo el día, meses y años en busca de una clave, un secreto, una explicación o un técnica correcta. Cientos de artículos y libros, miles de imágenes acumuladas alrededor de Volk y dentro de él, en su torre y en su memoria.
Sin embargo, la pintura de batalla no se limitó. Las tareas técnicas que le planteaba tal género le obligaron a estudiar obras dedicadas no sólo a la guerra. En algunas pinturas y grabados escalofriantes de Goya, en frescos y lienzos de Giotto, Bellini y Piero della Francesca, en pinturas murales mexicanas o en obras de artistas contemporáneos -Léger, Chirico, Chagall o los primeros cubistas- Volk buscó y encontró soluciones a cuestiones prácticas. Como la habilidad de un fotógrafo que elige el enfoque, la luz y la exposición, apuntando con cuidado el objetivo al sujeto que va a capturar, la pintura también implica un cierto sistema de fórmulas, leyes, experiencia, intuición y, por supuesto, inspiración -si hay uno. Volk conocía algunos trucos, dominaba la técnica, pero le faltaba mucho esa cualidad especial que distingue el oficio del talento. Al darse cuenta de esto, abandonó los intentos de pintar en su juventud. Pero ahora la experiencia vital y los conocimientos necesarios lo empujaron a una desesperada aventura creativa: transmitir la imagen que llevaba tiempo intentando captar en el visor y que había ido nutriendo en su memoria todos los últimos años. A los ojos de un espectador atento, el panorama en la pared revelaba las leyes inexorables de la guerra, aparentemente caóticas, pero de hecho un fiel reflejo de la vida.
Se encargaron cartones para futuros frescos, que se suponía que glorificarían los éxitos militares de la República Florentina. Leonardo eligió la batalla de Anghiari como trama, que representa una feroz lucha entre jinetes sobre caballos encabritados. El cartón fue percibido por los contemporáneos como una condena de la brutal locura de la guerra, donde las personas pierden su apariencia humana y se vuelven como animales salvajes. Se dio preferencia a la obra de Miguel Ángel "La batalla de Kashin", que enfatizó el momento de heroica disposición para luchar. Ambos cartones no se han conservado y han llegado hasta nosotros en grabados realizados en los siglos XVI-XVII. según los dibujos de los artistas que copiaron estas escenas a principios del siglo XVI. No obstante, su influencia en el posterior desarrollo de la pintura de batalla europea fue muy significativa. Podemos decir que es con estas obras que comienza la formación del género de batalla. La palabra francesa "bataille" significa "batalla". De él obtuvo su nombre el género de las bellas artes, dedicado a los temas de la guerra y la vida militar. El lugar principal en el género de batalla lo ocupan escenas de batallas y campañas militares. Los artistas de batalla se esfuerzan por transmitir el patetismo y el heroísmo de la guerra. A menudo logran revelar el significado histórico de los acontecimientos militares. En este caso, las obras del género bélico se aproximan al género histórico (por ejemplo, “La rendición de Breda” de D. Velásquez, 1634-1635, Prado, Madrid), llegando a un alto nivel de generalización del hecho representado, ( cartón Leonardo da Vinci) (“Represión del levantamiento indio por parte de los británicos "V. V. Vereshchagin, hacia 1884; "Guernica" de P. Picasso, 1937, Prado, Madrid). El género de batalla también incluye obras que representan escenas de la vida militar (vida en campañas, campamentos, cuarteles). Con mucha observación estas escenas fueron grabadas por el artista francés del siglo XVIII. A. Watteau ("Descanso militar", "Las penurias de la guerra", ambos en el Hermitage estatal).
Las imágenes de escenas de batallas y vida militar se conocen desde la antigüedad. Varias obras alegóricas y simbólicas que glorifican la imagen del rey victorioso estaban muy extendidas en el arte del Antiguo Oriente (por ejemplo, relieves que representan a los reyes asirios sitiando fortalezas enemigas), en el arte antiguo (una copia del mosaico de la batalla entre Alejandro Magno y Darío, siglos IV-III aC), en miniaturas medievales.
En la Edad Media, las batallas se representaban en miniaturas de libros europeos y orientales ("Facebook Chronicle", Moscú, siglo XVI), a veces en iconos; también se conocen imágenes sobre telas ("Alfombra de Bayeux" con escenas de la conquista de Inglaterra por parte de los señores feudales normandos, hacia 1073-83); hay numerosas escenas de batalla en los relieves de China y Kampuchea, murales indios y pintura japonesa. En los siglos XV-XVI, durante el Renacimiento en Italia, Paolo Uccello, Piero della Francesca, creó imágenes de batallas. Las escenas de batalla recibieron una generalización heroica y un gran contenido ideológico en los cartones para frescos de Leonardo da Vinci ("Batalla de Anghiari", 1503-06), que mostraba la fiereza feroz de la batalla, y de Miguel Ángel ("Batalla de Kashin", 1504 -06), quien destacó la heroica disposición de los guerreros para el combate. Tiziano (la llamada "Batalla de Cadore", 1537-38) introdujo un ambiente real en la escena de la batalla, y Tintoretto, innumerables masas de guerreros ("Batalla del Amanecer", alrededor de 1585). En la formación del género de batalla en el siglo XVII. jugaron un papel importante la nítida exposición del robo y la crueldad de los soldados en los grabados del francés J. Callot, la profunda revelación del significado sociohistórico y el significado ético de los hechos militares por parte del español D. Velásquez ("Rendición de Breda", 1634), la dinámica y el dramatismo de las pinturas de batalla del flamenco P.P. Rubens. Posteriormente, destacan pintores de batalla profesionales (A.F. van der Meulen en Francia), se forman tipos de composición convencionalmente alegórica, exaltando al comandante, presentado sobre el fondo de la batalla (Ch. Lebrun en Francia), un pequeño cuadro de batalla con un espectacular imagen de escaramuzas de caballería, episodios de la vida militar (F. Wauerman en Holanda) y escenas de batallas navales (V. van de Velde en Holanda). En el siglo XVIII. en relación con la guerra de independencia, aparecieron obras del género de batalla en la pintura estadounidense (B. West, J. S. Copley, J. Trumbull), nació el género de batalla patriótico ruso: las pinturas "Batalla de Kulikovo" y "Batalla de Poltava" , atribuido a I. N. Nikitin, grabados de A. F. Zubov, mosaicos del taller de M. V. Lomonosov "La batalla de Poltava" (1762-64), composiciones históricas de batalla de G. I. Ugryumov, acuarelas de M. M. Ivanov. La Gran Revolución Francesa (1789-94) y las Guerras Napoleónicas quedaron reflejadas en la obra de muchos artistas - A. Gro (que pasó de la pasión por el romance de las guerras revolucionarias a la exaltación de Napoleón I), T. Gericault (que creó las imágenes heroico-románticas de la epopeya napoleónica), F. Goya (quien mostró el drama de la lucha del pueblo español con los invasores franceses). El historicismo y el patetismo amante de la libertad del romanticismo se expresaron vívidamente en las pinturas históricas de batallas de E. Delacroix, inspirado en los acontecimientos de la Revolución de julio de 1830 en Francia. Los movimientos de liberación nacional en Europa inspiraron las composiciones de batallas románticas de P. Michalovsky y A. Orlovsky en Polonia, G. Wappers en Bélgica y más tarde J. Matejko en Polonia, M. Alyosha, J. Cermak en la República Checa y otros. En Francia, en la pintura de batalla oficial (O. Vernet), se combinaron falsos efectos románticos con plausibilidad externa. La pintura de batalla académica rusa pasó de composiciones tradicionalmente condicionales con un comandante en el centro a una mayor precisión documental de la imagen general de la batalla y los detalles del género (A.I. Sauerweid, B.P. Villevalde, A.E. Kotzebue). Fuera de la tradición académica del género de batalla estaban los grabados populares de I. I. Terebenev dedicados a la Guerra Patriótica de 1812, las "escenas de cosacos" en las litografías de Orlovsky, los dibujos de P. A. Fedotov, G. G. Gagarin, M. Yu. Lermontov, las litografías de V. F. Timma.
El desarrollo del realismo en la segunda mitad del siglo XIX - principios del siglo XX. condujo al fortalecimiento del paisaje, el género y, a veces, los principios psicológicos en el género de batalla, la atención a las acciones, las experiencias y la vida de los soldados ordinarios (A. Menzel en Alemania, J. Fattori en Italia, W. Homer en los EE. UU., M Gerymsky en Polonia, N. Grigorescu en Rumania, Ya. Veshin en Bulgaria). Los franceses E. Detail y A. Neuville dieron una descripción realista de los episodios de la guerra franco-prusiana de 1870-1871. En Rusia, floreció el arte de la pintura de batalla marítima (I. K. Aivazovsky, A. P. Bogolyubov), apareció la pintura de batalla cotidiana (P. O. Kovalevsky, V. D. Polenov). V. V. hizo una valiosa contribución al desarrollo del género de batalla Vereshchagin ("Después del ataque. Punto de tránsito cerca de Plevna", 1881, Galería Estatal Tretyakov). F. A. Rubo luchó por una muestra objetiva de las hostilidades en sus panoramas "Defensa de Sebastopol" (1902-1904) y "Batalla de Borodino" (1911). El realismo y el rechazo de los esquemas convencionales también son inherentes al género de batalla de los Wanderers: I. M. Pryanishnikova , A. D. Kivshenko, V. I. Surikov, quien creó una epopeya monumental de las hazañas militares del pueblo.
Surikov en los lienzos "La conquista de Siberia por Ermak" (1895) y "Suvorov's Crossing the Alps" (1899, ambos en el Museo Ruso) creó una epopeya majestuosa de la hazaña del pueblo ruso, mostró su fuerza heroica. El trabajo de V. M. Vasnetsov se inspiró en la antigua epopeya rusa.
D. Velásquez. Rendición de Breda. 1634-1635. Lienzo, óleo. prado. Madrid.
Sin embargo, la formación del género de batalla se remonta a los siglos XV-XVI. A principios del siglo XVII. los aguafuertes del francés J. Callot jugaron un papel preponderante en la formación del género bélico.Junto a los lienzos de D. Velázquez, que revelaron profundamente el significado sociohistórico del hecho bélico, hay pinturas apasionantes imbuidas del patetismo de la lucha por el flamenco P. P. Rubens. De mediados del siglo XVII. Predominan las escenas de crónica documental de batallas y campañas militares, por ejemplo, del holandés F. Wauerman (“Batalla de Caballería”, 1676, GE).
R. Guttuso. Batalla de Garibaldi en el Puente Amirallo. 1951-1952. Lienzo, óleo. La Biblioteca Filcinelli. Milán.
En el siglo XVIII - principios del XIX. la pintura de batalla se está desarrollando en Francia, donde son especialmente famosas las pinturas de A. Gro, que glorifican a Napoleón I. Impresionantes escenas de la valiente lucha del pueblo español contra los invasores franceses están capturadas en los gráficos y la pintura de F. Goya (un serie de grabados “Los Desastres de la Guerra”, 1810-1820).
V. V. VERESCHAGIN. Con hostilidad, hurra, hurra! (Ataque). De la serie Guerra de 1812. 1887-1895. Lienzo, óleo. Museo Estatal de Historia. Moscú.
A. A. Deineka. Defensa de Sebastopol. 1942. Óleo sobre lienzo. Museo Estatal Ruso. Leningrado.
Las obras de los pintores de batalla soviéticos revelan la imagen de un guerrero patriota soviético, su firmeza y coraje, y su amor sin igual por la Patria. El género de batalla experimentó un nuevo auge en los días terribles de la Gran Guerra Patriótica de 1941-1945. en las obras del Estudio de artistas militares que llevan el nombre de M. B. Grekov, Kukryniksy, A. A. Deineka, B. M. Nemensky, P. A. Krivonogov y otros maestros. El coraje inquebrantable de los defensores de Sebastopol, su firme determinación de luchar hasta el último aliento, fue demostrado por Deineka en la película "Defensa de Sebastopol" (1942, Museo Ruso) imbuida de patetismo heroico. Los pintores de batalla soviéticos modernos revivieron el arte de los dioramas y panoramas, crearon obras sobre temas civiles (E. E. Moiseenko y otros) y las Grandes Guerras Patrióticas (A. A. Mylnikov, Yu. P. Kugach y otros).
M. B. Grekov. Tachanka. 1933. Óleo sobre lienzo. Museo Central de las Fuerzas Armadas de la URSS. Moscú.
El surgimiento del estudio está indisolublemente ligado al nombre del notable artista Mitrofan Borisovich Grekov, uno de los fundadores de la pintura de batalla soviética. Sus lienzos "Tachanka", "Trompetistas del Primer Ejército de Caballería", "Al Destacamento de Budyonny", "Estandarte y Trompetista" se encuentran entre las obras clásicas de la pintura soviética.
En 1934, después de la muerte del artista, por una resolución especial del Consejo de Comisarios del Pueblo, se creó en Moscú el "Taller de Arte de Arte Amateur del Ejército Rojo M. B. Grekov". Se pidió al estudio que continuara y desarrollara creativamente las mejores tradiciones del género de batalla soviético. Inicialmente, fue un taller de capacitación para los artistas más talentosos del Ejército Rojo, quienes mejoraron sus habilidades bajo la guía de artistas destacados: V. Baksheev, M. Avilov, G. Savitsky y otros. En 1940, el estudio se convirtió en la organización artística del Ejército Rojo, uniendo a artistas militares.
Durante la Gran Guerra Patriótica, muchos griegos fueron al frente. El principal tipo de trabajo creativo en condiciones militares fueron los bocetos a gran escala. Su importancia histórica y artística no puede sobreestimarse. Los dibujos militares de N. Zhukov, I. Lukomsky, V. Bogatkin, A. Kokorekin y otros artistas son una especie de crónica visible de la Gran Guerra Patriótica, sus principales batallas militares, la vida en primera línea. Están marcados por un gran amor por el protagonista de esta gran batalla por la Patria: el soldado soviético.
El tema de la hazaña del pueblo en la Gran Guerra Patria se enriquece creativamente aún en la actualidad. En los primeros años de la posguerra, los griegos crearon lienzos, series gráficas, composiciones escultóricas, que recibieron el más amplio reconocimiento. Estas son las pinturas "Madre" de B. Nemensky, "Victoria" de P. Krivonogov, un monumento al Libertador E. Vuchetich, instalado en Treptow Park en Berlín.
Los artistas del estudio han creado y continúan creando muchos monumentos monumentales de gloria militar en varias ciudades de la Unión Soviética y en el extranjero. Las batallas más importantes se capturan en obras como el panorama "Batalla de Stalingrado" en Volgogrado (realizado por un grupo de artistas bajo la dirección de M. Samsonov), el diorama "Batalla de Perekop" en Simferopol (autor N. But) , etc. En estas obras, por así decirlo, los acontecimientos de los años militares vuelven a cobrar vida, ayudan a darse cuenta del enorme precio que se alcanzó la gran victoria.
El género de batalla en el arte existe desde la antigüedad: la humanidad ha luchado constantemente y continúa luchando hasta ahora.
Las imágenes de batallas y campañas se encuentran en los relieves del Antiguo Oriente, en los frontones de los edificios, en los arcos y columnas triunfales de la antigua Roma, en los jarrones de la Antigua Grecia, etc.
La palabra "bataille" significa "batalla" en francés. Es decir, el género de batalla está dedicado a temas militares. Estos pueden ser escenas de batallas, campañas militares, hechos heroicos, años y siglos modernos o pasados.
Si el artista no solo muestra la escena de la batalla, sino que también revela el significado de lo que está sucediendo, lleva al espectador a darse cuenta del significado de un evento histórico particular, entonces esa imagen puede atribuirse no solo a la batalla, sino también al género histórico.
Si en la imagen vemos una imagen de la vida y la vida de los militares o marineros, entonces el género de batalla se combina aquí con el cotidiano.
El género de batalla puede incluir elementos de otros géneros: retrato, paisaje, animal, naturaleza muerta.
En el Renacimiento, vemos imágenes de batallas en los lienzos de Paolo Uccello, Piero della Francesca, Tiziano, Tintoretto, en los frescos de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y otros.
Leonardo da Vinci (copia de Rubens) fresco "Batalla de Anghiari" (1503-1506)
El fresco fue encargado por Leonardo da Vinci para conmemorar la restauración de la República Florentina tras la expulsión de Piero de' Medici. Para la escena de la batalla, da Vinci eligió la batalla que tuvo lugar el 29 de junio de 1440 entre las tropas florentinas y milanesas bajo el mando del condotiero Niccolo Piccinino. A pesar de la superioridad numérica, los milaneses fueron derrotados por un pequeño destacamento florentino. D. Vasari escribió sobre esta pintura de la siguiente manera: “... hecho con gran habilidad debido a las observaciones más sorprendentes que aplicó en la imagen de este basurero, porque en esta imagen las personas muestran la misma rabia, odio y venganza que los caballos, de los cuales dos se entrelazan con sus patas delanteras y pelean con sus dientes con no menos amargura que sus jinetes peleando por el estandarte…”.
En el siglo XVI. el género de la batalla en la pintura comienza a tomar forma. ¿Qué es un género de todos modos? Esta es una división histórica de las pinturas de acuerdo con los temas y objetos de la imagen. Y aunque el concepto mismo de "género" apareció en la pintura hace relativamente poco tiempo, las diferencias de género existen desde que la persona comenzó a pintar. La formación del género como sistema comenzó precisamente en el siglo XVI.
Tintoretto "La Batalla del Alba" (hacia 1585). Venecia, Palacio Ducal
Tintoretto trajo a la escena a muchas personas involucradas en la batalla.
El artista español D. Velázquez reflexionó profundamente sobre los acontecimientos militares.
D. Velásquez "Rendición de Breda" (1634)
Esta imagen se puede atribuir tanto a la batalla como al género histórico, y también se la llama psicológica, porque muestra psicológicamente con precisión los sentimientos de los vencedores y los vencidos.
La trama de la imagen: el gobernador Justino de Nassau entregando las llaves de la ciudad al comandante en jefe de las tropas españolas Ambrosio Spinola el 5 de junio de 625, esta es solo la escena de entrega de la llave de la fortaleza de Breda. ¿Por qué la imagen pertenece al género de batalla? Pero este momento fue precedido por un asedio de meses a la ciudad por parte de las tropas españolas bajo el mando de Ambrosio Spinola. Durante 80 años, España luchó por mantener el poder de los Habsburgo sobre los Países Bajos españoles. Ambrosio Spinola, aprovechando una pausa en la guerra, puso sitio a la fortaleza. Desde un punto de vista militar, el asedio de Breda fue inútil, pero desde un punto de vista político tuvo un gran efecto. Toda Europa siguió de cerca el desarrollo de los acontecimientos cerca de Breda. Y luego llegó el desenlace: las llaves de Breda se entregan a los ganadores.
Los holandeses derrotados y su líder se colocan en una posición humillante y evocan simpatía. El líder se muestra más bajo, con ropa holgada y botas gastadas. Pero trata de aceptar lo sucedido con dignidad. El ganador es más alto que el perdedor, toda su figura expresa condescendencia, palmea a su oponente en el hombro con dulzura, es respetuosamente respetuoso. Los caballos en esta imagen, por así decirlo, enfatizan las características de sus dueños: el caballo tranquilo y modesto pertenece a los vencidos, y el caballo agraciado y juguetón Spinola debe igualar al ganador.
En el siglo XVIII. Aparecieron obras del género de batalla ruso. Y aquí, en primer lugar, me gustaría recordar el trabajo de V.M. Lomonosov "Batalla de Poltava", aunque pertenece a la pintura de mosaico.
"Batalla de Poltava". Mosaico de M. V. Lomonosov en el edificio de la Academia de Ciencias. San Petersburgo (1762-1764)
La Batalla de Poltava es la batalla más grande de la Guerra del Norte entre las tropas rusas bajo el mando de Pedro I y el ejército sueco de Carlos XII. La batalla tuvo lugar la mañana del 8 de julio de 1709, a 6 millas de la ciudad de Poltava. La derrota del ejército sueco condujo a un punto de inflexión en la Guerra del Norte a favor de Rusia y al final del dominio de Suecia en Europa.
El 10 de julio, en honor a la victoria del ejército ruso bajo el mando de Pedro I sobre los suecos en la Batalla de Poltava, se considera el Día de la gloria militar de Rusia.
El género de batalla ruso siempre está imbuido de un espíritu especial de patriotismo y busca expresar admiración por el heroísmo y el coraje de los guerreros.
La guerra con Napoleón se reflejó en el trabajo de muchos artistas, porque. en él se manifestaron todas las mejores cualidades del pueblo ruso: valentía, abnegación, patriotismo.
F. Roubaud, lienzo panorama "Batalla de Borodino"
El artista pintó el panorama "Batalla de Borodino" para el 100 aniversario de la Guerra Patriótica de 1812 por orden del emperador Nicolás II. El trabajo se llevó a cabo con la participación de I. G. Myasoedov.
Franz Alekseevich Rubio(1856-1928) - pintor de panoramas ruso, académico y jefe del taller de batalla de la Academia de las Artes, creador de tres panoramas de batalla: "Defensa de Sebastopol", "Batalla de Borodino", "Asalto al pueblo de Akhulgo". Es el fundador de la escuela nacional de pintura panorámica, autor de casi 200 pinturas monumentales.
F. Roubaud "El asedio de la fortaleza de Ereván por las tropas rusas en 1827"
Las Guerras Napoleónicas se reflejan en el trabajo de muchos artistas. Aquí hay otra imagen que representa una escena de guerra.
B. Villevalde "La hazaña del regimiento de caballería en la batalla de Austerlitz en 1805" (1884). Museo Histórico Militar Central de Artillería, Ingeniería y Cuerpo de Señales, San Petersburgo
Bogdan (Gotfried) Pavlovich Villevalde(1818-1903) - Pintor ruso, académico, profesor de honor de pintura de batalla, miembro del Consejo de la Academia Imperial de las Artes. La Guerra Patriótica de 1812 fue un tema predilecto de su obra, estudió bien la era de Napoleón y volvió sobre este tema constantemente. Sus obras se distinguen por el humor suave, la capacidad de representar escenas militares en vivo.
B. Villevalde "Reunión de oficiales de la caballería de la guardia rusa con residentes de una de las ciudades europeas"
Villevalde fue el jefe de la clase de batalla de la Academia de las Artes hasta su reforma en los años 90 del siglo XIX, casi todos nuestros nuevos jugadores de batalla deben su desarrollo artístico a su excelente enseñanza.
Nikolai Dmitrievich Dmitriev-Orenburgsky(1837-1898) - Pintor de batalla ruso, artista gráfico, académico y profesor de pintura de batalla en la Academia Imperial de las Artes. Creó todo un ciclo de pinturas sobre la guerra ruso-turca (1877-1878).
N. Dmitriev-Orenburg "La batalla de Plevna el 27 de agosto de 1877" (1883)
Vasily Vasilyevich Vereshchagin(1842-1904) - Pintor y escritor ruso, uno de los pintores de batallas más famosos.
Graduado del Cuerpo de Cadetes Navales, estuvo asociado con el ejército toda su vida: estuvo en Samarcanda durante el asedio de los bújaros; estuvo en el ejército ruso activo durante la guerra ruso-turca de 1877-1878, donde resultó gravemente herido. Cuando comenzó la guerra ruso-japonesa, Vereshchagin fue al frente. Murió el 31 de marzo de 1904, junto con el almirante S. O. Makarov, durante una explosión en una mina del acorazado Petropavlovsk en la rada exterior de Port Arthur.
Creó una serie de pinturas de batalla: la serie Turkestan, "Napoleón en Rusia", la serie "Bárbaros". El ciclo "Napoleón en Rusia" incluye 20 pinturas, así como estudios, dibujos y composiciones inacabadas.
V. Vereshchagin "Frente a Moscú en previsión de la delegación de los boyardos"
V. Vereshchagin "Napoleón en las alturas de Borodino" (1897)
V. Vereshchagin "El final de la batalla de Borodino"
Una de las obras más famosas del género de batalla en general y las obras del artista es la pintura "La apoteosis de la guerra".
V. Vereshchagin "La apoteosis de la guerra" (1871). Óleo sobre lienzo, 127 x 197 cm Galería Estatal Tretyakov (Moscú)
En el marco de esta imagen está la inscripción: "Dedicado a todos los grandes conquistadores: pasado, presente y futuro".
Inicialmente, el lienzo se llamaba "El triunfo de Tamerlán". La idea se asoció con Tamerlán, cuyas tropas dejaron tales pirámides de calaveras. Según otra versión, esta pintura fue creada por Vereshchagin bajo la impresión de una historia sobre cómo el gobernante de Kashgar, Valikhantor, ejecutó a un viajero europeo y ordenó colocar su cabeza sobre una pirámide hecha con los cráneos de otras personas ejecutadas. .
¿Por qué esta imagen se atribuye al género de batalla, aunque no representa escenas de batalla, incluso las personas no están presentes en el lienzo?
Esta es una pintura de alegoría, una pintura de protesta contra las guerras. La guerra es siempre muerte y devastación. Vereshchagin representa la pirámide de cráneos humanos contra el fondo de una ciudad en ruinas y árboles carbonizados. Todo está destruido, solo quedan los cuervos, pero no tienen nada de qué beneficiarse aquí. Todos los detalles del cuadro, incluido el color amarillo del lienzo, simbolizan la muerte. El conocido crítico de arte ruso V. Stasov creía que con esta imagen Vereshchagin actúa como historiador y juez de la humanidad.
Mitrofan Borísovich Grekov(1882-1934) - Pintor de batalla soviético de origen cosaco ruso.
“Trompeteros de la Primera Caballería” es su obra más famosa.
M. Grekov "Trompetistas de la Primera Caballería"
Según su idea, el 29 de noviembre de 1934 se crea el Estudio de Artistas Militares, que luego lleva su nombre. Estudio de artistas militares. M. B. Grekova es un equipo creativo único de 30 artistas (pintores, artistas gráficos y escultores). Todos ellos son individuos creativos brillantes, profesionales en su campo. Les une la idea de servir a la Patria con su arte, recreando en imágenes artísticas páginas significativas de valor y gloria de las armas rusas, la historia del ejército y el pueblo. Su actividad se basa en el método del realismo.
Aquí hay una foto de un miembro de este estudio.
Andrei Veniaminovich Sibirsky “Después de la tarea. Khankala. Chechenia (1998). Lienzo, óleo. 130x200cm
Piotr Alexandrovich Krivonogov(1910-1967) - Pintor de batalla soviético. En 1939 fue reclutado por el ejército. La Gran Guerra Patriótica tuvo lugar en las tropas activas desde Moscú hasta Berlín. Sus obras más famosas son sobre la Gran Guerra Patria.
P. Krivonogov "Defensores de la fortaleza de Brest" (1951)
Los artistas no profesionales también trabajaron en el género de batalla. Por ejemplo, el poeta y prosista ruso Mijail Yurjevich Lermontov a lo largo de su corta vida fue aficionado al dibujo y la pintura, tomó lecciones de pintura de P. E. Zabolotsky, quien pintó dos retratos de Lermontov al óleo (en 1837 y 1840).
M.Yu. Lermontov "Autorretrato" (1837-1838). Papel, acuarela. Museo Literario (Moscú)
Uno de los temas favoritos del artista Lermontov era un tema militar. Sus mejores obras están relacionadas con el Cáucaso y ejecutadas en el espíritu de la pintura romántica.
M.Yu. Lermontov "Ataque de los socorristas húsares cerca de Varsovia el 26 de agosto de 1831". Cartón, aceite. 65,8 × 79,3 cm
N. Dmitriev-Orenburg "La batalla de Plevna el 27 de agosto de 1877" (1883) Vasily Vasilyevich Vereshchagin (1842-1904) - Pintor y escritor ruso, uno de los pintores de batalla más famosos. Mitrofan Borisovich Grekov (1882-1934) - Pintor de batalla soviético de origen cosaco ruso. “Trompeteros de la Primera Caballería” es su obra más famosa.
Los horrores de la huelga de hambre ya han caído como una pesada piedra sobre los hombros de estos magníficos guerreros. Ahora el camino estaba en Italia. Estudio de artistas militares. El destino fue generoso con Aivazovsky por reuniones interesantes, conocidos y amistad.
Aivazovsky se propuso hacer que su casa no solo fuera cómoda para vivir y trabajar, sino que también tenía la intención de organizar una escuela de arte en ella "en términos de pintar vistas al mar, paisajes y escenas populares". La superficie del mar, sobre la que una ligera brisa dibuja un oleaje tembloroso, parece un campo de chispas. Perdóname, gran artista, si me equivoqué al tomar la foto por la realidad, pero tu obra me fascinó y el deleite se apoderó de mí. yo. establo del regimiento. Vasily pidió su renuncia. El coraje inquebrantable de los defensores de Sebastopol, su firme determinación de luchar hasta el último aliento, fue demostrado por Deineka en la película "Defensa de Sebastopol" (1942, Museo Ruso) imbuida de patetismo heroico. V. Frunze dirige el cruce sobre el Sivash”, “Tormenta del Palacio de Invierno”, “Stalingrado. ¡Qué inundación de fuego!
Hacia 1848 se construyó la casa y el taller de trabajo, y en 1865 el artista inauguró la escuela que había concebido, se conoció como el "Taller General". Batalista y escritor. Tal imagen era una gran composición, que el artista llamó Caos. El acorazado comenzó a hundirse en el agua y, después de la explosión de las calderas, al romperse, se fue al fondo. Aivazovsky participó en el aterrizaje, aterrizó en el área de Subashi (Lazarevskaya).
Pinturas: “La captura de Tashkent”, “La entrada de las tropas rusas en Samarcanda el 8 de junio de 1868”, “La primera aparición de las tropas rusas en el Amu Darya. Pintó el cuadro Aterrizando en Subashi inmediatamente, regresando a Feodosia. El camino a la iglesia de San Sergio estaba cubierto de flores. V. Vereshchagin "La apoteosis de la guerra" (1871).
El ciclo "Napoleón en Rusia" incluye 20 pinturas, así como estudios, dibujos y composiciones inacabadas. Por el Renacimiento en Italia son las primeras experiencias de una representación realista de las batallas. En todas las exposiciones en las ciudades europeas, fue un éxito. Vereshchagin accidentalmente, en lugar del artista enfermo Metelitsa, terminó en el acorazado Petropavlovsk. Poco a poco, las batallas oficiales están siendo reemplazadas por imágenes de episodios militares reales. El famoso pintor marino inglés William Turner, que vivió en Roma en 1842, expresó su asombro por el arte de Aivazovsky, componiendo poemas de admiración en italiano sobre la pintura de la Bahía de Nápoles en una noche de luna: "En tu foto veo la luna con su oro y plata, de pie sobre el mar, reflejado en él. La ciudad entera se despidió del artista.
Pero buscó encontrar el suyo propio, un nuevo tema en el paisaje, peculiar solo para él. Ataque combinado", "M. Con especial placer, pintó la incursión de Sebastopol con hermosos barcos que ingresaban solemnemente a la bahía, con gran habilidad y estilo, Aivazovsky reconstruyó las batallas navales del siglo XVIII: la batalla de Gangut, la famosa batalla en el estrecho de Chios y la batalla de Chesma, que tuvo lugar en junio de 1770. Habiendo pintado cuadros sobre el "sufrimiento de Sebastopol", los llevó a la ciudad sitiada y abrió una exposición que contribuyó en gran medida a levantar el ánimo de los soldados que lucharon en los bastiones.
El artista viajó por toda la costa napolitana, trabajó en Sorrento, Amalfi, Vico. Entonces, el gran pintor de batallas ruso murió en un puesto militar. La tarea principal de Napoleón, destruir el ejército ruso en una batalla general, no se cumplió. ¿Por qué la imagen pertenece al género de batalla? Cruce del Destacamento de Turquestán en Sheikh-aryk”, “Expedición Teke de 1881.
La pintura llamó la atención del Papa Gregorio XVI. Al público de bajos ingresos se le permitió de forma gratuita varios días a la semana. Prestó atención a los detalles de la vida, a la situación. La fortaleza fue defendida. Leonardo da Vinci (copia de Rubens) fresco "Batalla de Anghiari" (1503-1506) El fresco fue encargado por Leonardo da Vinci en honor a la restauración de la República Florentina tras la expulsión de Piero Medici. El género de batalla está representado por pinturas: "En la plaza Znamenskaya en los días de febrero de 1917", "Asalto al Palacio de Invierno", "Acciones conjuntas de tanques, aviación y caballería".
Un año después, Vasily Vasilyevich terminó con Kaufman en Samarcanda. La exposición también suscitó animadas respuestas de figuras destacadas de la cultura rusa. El escándalo fue enorme.
Aquí, en el campo de Borodino, se disipó el mito de la invencibilidad del ejército napoleónico. Por las pinturas expuestas en el Louvre, Aivazovsky recibió una medalla de oro.
Algo está ardiendo en la Plaza Roja, allí en ese momento había varios edificios antiguos de madera. A principios de 1874, Vereshchagin presentó las pinturas en San Petersburgo. Dos se convirtieron en soldados profesionales, uno siguió el camino de la actividad social. Todos los detalles del cuadro, incluido el color amarillo del lienzo, simbolizan la muerte. Lo compró para el Vaticano y le otorgó al artista una medalla de oro. Los relieves de los antiguos arcos triunfales romanos son las conquistas y victorias de los emperadores.
Para el vencedor, que ocupó una ciudad extranjera, no hay nada sagrado. San Petersburgo (1762-1764) La Batalla de Poltava es la mayor batalla de la Guerra del Norte entre las tropas rusas bajo el mando de Pedro I y el ejército sueco de Carlos XII. En septiembre, la Academia de las Artes honró a su antiguo alumno con el título de académico, y pocos días después el Ministerio de la Corte Imperial emitió una orden para asignarlo a este departamento con el título de pintor del Estado Mayor Naval Principal "con la derecho a vestir el uniforme del Ministerio Naval y para que este título fuera considerado honorífico sin contenido monetario de producción.”
Pero era una verdadera salida del fuego y dentro de la sartén. Uno de sus mejores cuadros, Entre las olas, lo pintó cuando tenía ochenta años. El general fue a luchar contra las tropas del emir y el artista se quedó en la fortaleza con quinientos combatientes.
En 1934, después de la muerte del artista, por una resolución especial del Consejo de Comisarios del Pueblo, se creó en Moscú el "Taller de Arte de Arte Amateur del Ejército Rojo M. B. Grekov". Poco a poco, las batallas oficiales están siendo reemplazadas por imágenes de episodios militares reales. Murió el 31 de marzo de 1904, junto con el almirante S. O. Makarov, durante una explosión en una mina del acorazado Petropavlovsk en la rada exterior de Port Arthur. Creó una serie de pinturas de batalla: la serie Turkestan, "Napoleón en Rusia", la serie "Bárbaros". Las batallas más importantes se capturan en obras como el panorama "Batalla de Stalingrado" en Volgogrado (realizado por un grupo de artistas dirigidos por M. Samsonov), el diorama "Batalla de Perekop" en Simferopol (autor N. But), etc. .
La gloriosa victoria de la flota rusa sobre la flota turca fue capturada por Aivazovsky en la película La batalla de Sinop. Mosaico de M. V. Lomonosov en el edificio de la Academia de Ciencias. Asalto a Geok-Tepe.
Hizo de los soldados, del pueblo ruso común, los héroes de las pinturas. Sí, simplemente porque el mariscal Davout no era una de esas personas capaces de prestar atención a su entorno. Se perciben como improvisaciones musicales o poéticas. Trabajando con placer en una variedad de paisajes marinos, tratando de no repetirse en sus tramas, Aivazovsky cada vez buscaba nuevos tonos de iluminación, agua de mar o nubes, el estado de la atmósfera.
El género de batalla experimentó un nuevo auge durante la Gran Guerra Patria y los años de la posguerra, en carteles y "ventanas TASS", gráficos de primera línea, pintura y más tarde en escultura monumental. Toda Europa siguió de cerca el desarrollo de los acontecimientos cerca de Breda. La guarnición militar de Feodosia entregó los últimos honores a su artista. Cuando comenzó la guerra ruso-japonesa, Vereshchagin fue al frente. Esta es una pintura de alegoría, una pintura de protesta contra las guerras. Los caballos en esta imagen, por así decirlo, enfatizan las características de sus dueños: el caballo tranquilo y modesto pertenece a los vencidos, y el caballo agraciado y juguetón Spinola debe igualar al ganador. De paso, cabe señalar que de ninguna manera debe confundirse la guerra popular con la guerra de guerrillas.
Los caprichos de la guerra pueden alcanzar las proporciones más monstruosas. El líder del escuadrón se hizo a la mar para dar batalla al enemigo, pero mientras maniobraba, se topó con una mina japonesa. A las 0943, se escuchó una explosión ensordecedora en la proa del Petropavlovsk, luego la munición detonó. "Batalla de Poltava".
Napoleón, obligado a huir del Kremlin, lo abandonó a pie, rumbo al Arbat. Antes de ir a Italia, el artista se fue a Feodosia durante dos años. Vereshchagin estudió y dibujó la arquitectura local, pero pronto comenzó un levantamiento. La batalla tuvo lugar la mañana del 8 de julio de 1709, a 6 millas de la ciudad de Poltava. Karazin es considerado el creador de un estilo especial de pintura de acuarela: sus obras son fáciles de reconocer gracias a la forma especial de crear efectos de iluminación, contrastes, construir una composición y penumbra. En la Edad Media, las batallas se representaban en alfombras y tapices, en miniaturas de libros, a veces en iconos (como escenas de las hazañas de uno u otro santo).
A pesar de la superioridad numérica, los milaneses fueron derrotados por un pequeño destacamento florentino. Se dedicó a diferentes áreas de la pintura, pero fueron las obras de batalla las que le dieron fama. D. Vasari escribió sobre esta imagen: “. Galería estatal Tretyakov (Moscú) En el marco de esta imagen está la inscripción: "Dedicado a todos los grandes conquistadores: pasado, presente y futuro". Inicialmente, el lienzo se llamaba "El triunfo de Tamerlán".
Todos ellos son individuos creativos brillantes, profesionales en su campo. En un enorme lienzo pictórico (longitud - 115, altura - 15 metros), el artista capturó el momento más difícil de la batalla - a las 12:30 horas del 7 de septiembre de 1812.
A veces al Estado, a veces a la Iglesia, no le gustaba. Creó dioramas, pinturas panorámicas, acuarelas, paisajes, retratos. Irónicamente, las tumbas de los familiares del artista yacen bajo las aguas del embalse de Rybinsk. Tu arte es eterno y poderoso, porque te inspira la genialidad. M. B. Grekova es un equipo creativo único de 30 artistas (pintores, artistas gráficos y escultores). Todo está destruido, solo quedan cuervos, pero no tienen nada de lo que beneficiarse aquí.
Davout era un hombre severo, melancólico, que conocía soberbiamente los asuntos militares, inquebrantable devoto de Napoleón, con quien se crió en la escuela militar de Brienne, siempre ocupado, concentrado y para él interrogante, hasta las más elementales comodidades de la vida. absolutamente no existía. Es decir, el género de batalla está dedicado a temas militares. Óleo sobre lienzo, 127 x 197 cm Regresó a su patria en 1844, coronado de reconocimiento y gloria europea.
Tres hermanos Vasily recibieron una educación militar. Por el Renacimiento en Italia son las primeras experiencias de una representación realista de las batallas. Eche un vistazo a la imagen reproducida y. cuyo corazón no tiembla a la vista. Aivazovsky tiene una imagen que era absolutamente inusual para este género, el bergantín "Mercury" después de derrotar a dos barcos turcos se encuentra con el escuadrón ruso.
A la edad de 27 años, se convirtió en miembro de las Academias de las Artes de San Petersburgo, Roma y Ámsterdam.
Hay un segundo ataque feroz en el pueblo de Semenovskaya, después de una feroz lucha, se ocupan los famosos rubros de Semenov (Bagrationov) y se rechaza otro ataque en la altura de Kurgan. Esta tradición también fue preservada por los pintores de batallas del siglo XX. En Roma, visitaba a menudo el pequeño apartamento de Gogol, al que llamaba "mi celda". Ambrosio Spinola, aprovechando una pausa en la guerra, puso sitio a la fortaleza. Este último se ofreció a pedir lo que quieras.
Los soldados rusos lucharon sin perdonar la vida. No era joven, pero al igual que en su primera juventud, siguió trabajando sin descanso. Esta tradición también fue preservada por los pintores de batallas del siglo XX. Pero Vereshchagin decidió firmemente convertirse en artista. Pero trata de aceptar lo sucedido con dignidad. Su actividad se basa en el método del realismo. Aquí hay una foto de un miembro de este estudio. Aivazovsky tomó las palabras del libro de Génesis como base para la idea de la imagen: "La tierra estaba sin forma y vacía, y la oscuridad estaba sobre el abismo, y el Espíritu de Dios se cernía sobre el agua".
Los rusos tuvieron que defender la fortaleza del ataque del enemigo número 20.000. Terror de fuego. Llegó el 6 de septiembre. El recuerdo y el dolor de estos eventos y pérdidas nunca abandonaron al artista: en el camino de su vida, en 1893, pintó un cuadro de Malakhov Kurgan y en la parte posterior hizo la inscripción: "El lugar donde Kornilov fue herido de muerte". .” Se acercaba el final de octubre.
El futuro artista nació en la ciudad de Cherepovets. A. Mylnikov, Yu. P. Kugach y otros). La guerra es siempre muerte y devastación. 2 de febrero de 1943".
Su padre era el líder de la nobleza local. En la mañana del 31 de marzo, cerca de Port Arthur, el barco chocó contra una mina y se hundió en cuestión de minutos. El género de batalla ruso está imbuido de un espíritu especial de patriotismo, busca expresar admiración por el heroísmo y el coraje de los guerreros.
El género de batalla experimentó un nuevo auge durante la Gran Guerra Patria y los años de la posguerra, en carteles y "ventanas TASS", gráficos de primera línea, pintura y más tarde en escultura monumental. La batalla duró 15 horas. Napoleón, al enterarse de que el Kremlin estaba completamente intacto, decidió regresar allí. La palabra "bataille" significa "batalla" en francés. E. Moiseenko y otros) y la Gran Guerra Patriótica (A.
Durante 80 años, España luchó por mantener el poder de los Habsburgo sobre los Países Bajos españoles. El líder se muestra más bajo, con ropa holgada y botas gastadas. Un año antes, creó un recuerdo de lienzo del barco "María" durante una tormenta (en el que Nakhimov comandó la batalla de Sinop).
Si pide recordar a los pintores de batalla rusos, generalmente se llaman dos o tres nombres: Vershchagin, Roubaud, Grekov. Está claro que había muchos más de ellos. Hoy les presentaré el trabajo de dos de ellos.
Villevalde Bogdan Pavlovich (1819 -1903) - académico, profesor de honor de pintura de batalla, miembro del Consejo de la Academia Imperial de las Artes. El representante más grande y típico de la dirección de la pintura de batalla que dominó la primera mitad del siglo XIX.
Alumno de A. I. Sauerweid, Villevalde se distinguió por el éxito incluso en la Academia de las Artes y en los años 40 fue enviado al extranjero, donde trabajó en Dresde en los complots de la guerra de 1813; en 1844 fue llamado a San Petersburgo, en vista de la muerte de Sauerweid, para completar el trabajo que había comenzado sobre la historia de la lucha contra Napoleón, y a finales de los años 40, con el rango de profesor y académico, se convirtió en el jefe de la clase de batalla.
"Retirada de los franceses de Rusia"
"Fueron capturados en 1814"
"Hola querida Francia"
Las obras capitales de Villevalde en este primer período son cuatro grandes lienzos de la historia de 1813-14, colgados en la Sala Alexander del Palacio de Invierno: "Kulm", "Leipzig", "Ferschampenoise" y "Frente a París".
"Batalla de París 17 de marzo de 1814"
"El Regimiento de Caballería de Salvavidas en la batalla de Ferchampenoise el 13 de marzo de 1814",
Regresando más de una vez a esta época, Villevalde pinta entonces tanto la pacificación del levantamiento polaco de 1831 y la campaña húngara de 1849, como la campaña de Crimea y la lucha en el Cáucaso.
"La hazaña del regimiento de caballería en la batalla de Austerlitz en 1805"
"Ataque de los Life Hussars cerca de Varsovia en 1831"
"Batalla de Grachov 13 de diciembre de 1831"
"La captura de Shumla"
Excelente conocedor de la formación militar, Villevalde también es bueno donde los desfiles y las maniobras se representan por sí solos, y no sirven como ejemplo de un cuadro de guerra. La dependencia de las esferas oficiales, que en ese momento fueron las únicas que crearon y sustentaron la existencia de la pintura de guerra, y el aún escaso desarrollo del realismo en el arte en general, provocaron especiales exigencias al pintor de guerras; sobre todo se valoraba la precisión, principalmente externa, en cuanto al tipo y forma de las tropas y correspondiente a la idea oficial de la guerra, informes al respecto. Así era toda la pintura de Villevalde: siempre exteriormente certera, convencionalmente veraz, acabada de dibujar, pero no apasionante.
"Nicholas I con Tsarevich Alexander Nikolaevich en el estudio del artista en 1854"
"Inauguración del monumento "Milenio de Rusia" en Novgorod en 1862"
"Regimiento Pavlovsky de socorristas privados"
"Blucher y los cosacos en Bautzen"
Villevalde fue jefe de la clase de batalla de la Academia de las Artes hasta su reforma en los años 90 del siglo XIX, casi todos nuestros pintores de batalla más nuevos deben su desarrollo artístico a su excelente enseñanza.
"Soldado ruso presenta cantantes gitanas"
"Escena del poste de la milla"
“¡Hoy tú, y mañana yo!”
"Vista de Vladikavkaz"
Cosacos en Bautzen
Nikolai Nikolaevich Karazin (1842-1908) - pintor y escritor de batalla ruso, participante en las campañas de Asia Central. Se graduó en el 2º Cuerpo de Cadetes de Moscú, del cual fue liberado en 1862 como oficial en el Regimiento de Dragones de Kazán. Con el regimiento, Karazin participó en la represión de la rebelión polaca de 1863-1864. y por la diferencia en los asuntos cerca de Poritsk y en Wolf Post, recibió la Orden de San Petersburgo. Anna de 4º grado con la inscripción "Por el valor". En 1865 se retiró con el grado de capitán de Estado Mayor e ingresó en la Academia de las Artes, donde trabajó durante dos años bajo la dirección del célebre pintor de batallas B.P. Villevalde. En 1867, Karazin dejó la academia para participar en una campaña en Bukhara. Comandó una compañía, semi-batallón, fue condecorado con la Orden de St. Vladimir de cuarto grado con espadas y un arco y un arma dorada con la inscripción "por coraje".
En Turkestán, conoció a V.V. Vereshchagin. Sus primeros dibujos, reproducidos en politipos, se colocaron en la "Ilustración mundial" de 1871. Karazin también creó las primeras postales artísticas en Rusia, publicadas por la Comunidad de San Petersburgo. catalina En 1874 y 1879 Karazin, como conocedor de la región, fue invitado por la Sociedad Geográfica Rusa a participar en expediciones científicas en Asia Central para estudiar la cuenca de Amu Darya. Por los dibujos que se adjuntaron a los diarios de estas expediciones, Karazin recibió los premios más altos en las exposiciones geográficas de París y Londres, fue elegido miembro de la Sociedad Geográfica Rusa.
"Cosacos en la Horda Kirghiz-Kaisatsky"
"Kyrgyz en el caballo caído"
"Cosacos siberianos con los chinos"
"Caza de halcones"
En las guerras serbio-turca y ruso-turca de 1877-78. Karazin fue corresponsal de guerra e ilustrador. Sus ilustraciones se publicaron en las mejores publicaciones extranjeras y dieron a conocer ampliamente a Karazin. En los 80s. Siglo 19 Karazin fue enviado a Turkestán para dibujar bocetos de pinturas que se le ordenó pintar sobre temas de la campaña de las tropas rusas en Khiva y Bukhara.
"La entrada de las tropas rusas en Samarcanda el 8 de junio de 1868"
La campaña de Jiva de 1873. La transición del destacamento de Turkestán a través de las arenas muertas a los pozos de Adam-Krylgan"
"El cruce del destacamento de Turkestán a través del Amu Darya en 1873"
"El ataque de Kokand al asentamiento cosaco de Uzun-Agan"
Obtuvo su fama como el primer acuarelista en Rusia y el mejor dibujante-ilustrador con sus innumerables obras en acuarela, lápiz y pluma. Poseedor de una rica imaginación creativa y un gran gusto artístico, Karazin se distinguió por su extraordinaria velocidad y facilidad de trabajo. Su capacidad de trabajo y productividad fueron asombrosas. El mundo de las obras de Karazin es predominantemente las afueras del este del imperio. La naturaleza de Asia Central y los tipos asiáticos son el tema favorito de sus obras de arte. En la pintura de acuarela, Karazin creó su propio estilo especial. Sus pinturas y dibujos son inmediatamente reconocibles: fuertes efectos de luz, contrastes brillantes, un colorido especial, algo tétrico, una composición magnífica y una fantasía sin fin.
"Yamskaya y servicio de escolta en la estepa"
"Primer cruce o"
"Día de invierno"
"Los ladrones"
Aunque algunos críticos evaluaron su creatividad de manera diferente: "La cantidad de cuadros, bocetos y viñetas que dibuja es enorme. Testimonian el indudable talento del artista, quien, sin embargo, es débil en términos de dibujo y persigue la mayor parte de toda la ligereza de la técnica y la eficacia de la composición, en detrimento de la verdad y la seriedad del contenido. Lo que más acierta es el elemento paisajístico, aunque en su mayor parte exageradamente espectacular. Lo mismo hay que decir de las numerosas acuarelas que surgieron de debajo del pincel de Karazin. Recientemente (desde 1887) comenzó a probar sus fuerzas en la pintura al óleo: pero en ella las deficiencias del artista son aún más notables que en sus otras obras "
