Witajcie drodzy odwiedzający stronę internetową szkoły projektowania wnętrz! Dziś chcę porozmawiać o kompozycji architektonicznej, dlaczego jest ona bardzo ważnym elementem harmonijnego wnętrza oraz dlaczego i co najważniejsze, jak ją wykorzystać w aranżacji wnętrz.
Generalnie znajomość praw kompozycji nie jest konkretnym etapem projektowania wnętrz (etapami projektowania wnętrz) – jest podstawową podstawą udana praca w każdej działalności związanej ze sztuką, a co za tym idzie - projektowaniem wnętrz.
Proces projektowania wnętrz jest ściśle powiązany ze znajomością praw kompozycji architektonicznej. Bez znajomości podstaw kompozycji nie da się tworzyć piękne wnętrze. Konstruowanie wnętrz zgodnie z prawami kompozycji artystycznej odróżnia wnętrza profesjonalistów od wnętrz tworzonych przez amatorów.
Dla osób, które nie mają wykształcenia artystycznego, komponowanie sprawia duże trudności i niezrozumienie, do czego jest potrzebna i jak z nią pracować. Są jednak ludzie, którzy intuicyjnie wyczuwają podstawowe prawa kompozycji, które pozwalają im ubrać się lub urządzić dom ze smakiem, ale takich osób jest bardzo mało. Pozostali, w tym wielu wybitnych architektów i projektantów, musieli i nadal muszą opanować podstawy kompozycji, najpierw w teorii (szkolenia w różnych wyspecjalizowanych instytucjach), a następnie doskonalić ją w praktyce.
Początkującym może się też wydawać, że kompozycja architektoniczna i jej prawa to coś nieuchwytnego, trudnego do zrozumienia i wyjaśnienia, a co gorsza: kompozycja to kompletna bzdura, mówią, każdy ma swój gust i wie najlepiej, jak najlepiej urządzić swoje mieszkanie lub mieszkanie. dom. Jednak wcale tak nie jest, a „piękno” (a piękno powstaje zgodnie z prawami kompozycji artystycznej) ma swoje własne zasady i prawa, według których jest tworzone.
Spróbujmy więc rozgryźć tę „kompozycję” i dowiedzieć się, co to jest.
Kompozycja architektoniczna- jest to związek kompozycyjny elementów kompozycji, umieszczonych w pewnym, z artystycznego punktu widzenia, porządku i mających określone ilościowe i cechy jakościowe, mające na celu osiągnięcie ogólnej harmonii, integralności i wyrazistości dzieła architektonicznego.
W odniesieniu do wystroju wnętrz pokój, jako główna jednostka projektowa, ze wszystkimi znajdującymi się w nim meblami, sprzętem i elementami wystroju (obrazy, lampy, świeczniki), uważany jest przez projektantów wnętrz za nic innego jak kompozycję. Jednocześnie plan pięter, sufitów, układ każdego z nich osobna ściana Pokoje stanowią odrębną kompozycję, nad którą należy popracować, aby osiągnąć ogólną harmonię całej kompozycji pokoju, mieszkania czy domu.
Przyjrzyjmy się teraz podstawowym zasadom tworzenia harmonijnej kompozycji:
1. Dowolna kompozycja musi mieć centrum kompozycji. Może to być dowolny mebel, panel dekoracyjny, kominek itp.
Centrum kompozycji (centrum uwagi) powinno od razu rzucać się w oczy, gdy tylko wejdziesz do pokoju lub przestrzeni. Musi dominować i ujarzmiać wszystkie pozostałe elementy wnętrza, a co najważniejsze organizować przestrzeń pomieszczenia. A jeśli w kompozycji znajduje się centrum, wówczas muszą istnieć elementy uzupełniające podporządkowane centrum. Te. jeśli w kompozycji jest jeden element, wówczas nie nastąpi utworzenie harmonijnej kompozycji.
Skoro już wiesz, jakie elementy powinny znaleźć się w dowolnej kompozycji, warto wiedzieć, jak te elementy są ułożone względem siebie. Każda kompozycja ma swoje specyficzne granice, niezależnie od tego, czy jest to rama obrazu, ściana, czy objętość całego pomieszczenia. W związku z tym środek kompozycji zwykle znajduje się mniej więcej pośrodku. Wokół niej (środek) zgrupowane są pozostałe (dodatkowe) elementy kompozycji.
Elementy wokół środka kompozycji można układać (grupować) zgodnie z prawami symetrii lub asymetrii. Grupując elementy kompozycji architektonicznej poprzez symetrię, oś przebiega przez środek kompozycyjny. Elementy podporządkowane środkowi kompozycji zgrupowane są po obu stronach osi symetrii. Co więcej, elementy muszą mieć ten sam kształt i kolor lub przynajmniej być do siebie podobne.
Przy asymetrycznym ugrupowaniu elementów kompozycji nie da się narysować wyraźnej osi symetrii. Kompozycja ta opiera się na zasadach równowagi pierwiastków. Asymetryczne grupowanie elementów kompozycji wygląda następująco:
W tym przypadku elementy kompozycji ułożone są zawsze w określonym rytmie (w ściśle określonych odległościach od siebie) lub swobodnie (bez jednakowej odległości między elementami).
Asymetryczne rozmieszczenie elementów kompozycji jest uważane za bardziej złożony sposób grupowania elementów i wymaga pewnego przeszkolenia i doświadczenia, dlatego na pierwszym etapie dobrze opanuj symetrię. Jeśli nie masz doświadczenia w budowaniu kompozycji symetrycznych, wówczas stworzenie asymetrycznej kompozycji we wnętrzu nie będzie dla Ciebie trudne.
2. Skład musi być zrównoważony. Idealnie, wszystkie elementy kompozycji powinny być równomiernie rozmieszczone w całej objętości w ich granicach. Nie powinno być żadnych zagięć w żadną stronę (jedna strona jest wypełniona elementami, druga jest pusta). Jeśli elementy kompozycji są nierównomiernie skoncentrowane, wówczas odpowiednio naruszane są jej ważne wymagania: równowaga i stabilność.
3. Wszystkie elementy kompozycji muszą być ze sobą połączone. Nie powinna zawierać elementów przypadkowych. Ta relacja jest prowadzona na podstawie podobieństwo elementów. Elementy mogą być do siebie podobne (tożsamość), nieznacznie różnić się (niuanse) i bardzo różnić się od siebie (kontrast).
W praktyce można to osiągnąć na kilka sposobów: stosując jeden, ujednolicający kolor na różnych elementach, ujednolicając kształt elementów, stosując elementy podobne i powtarzające się.
4. Kontrast kompozycyjny
Tworzenie harmonijnych, wartościowych estetycznie wnętrz opiera się na zasadzie łączenia kontrastów kompozycyjnych. Oznacza to, że elementy wnętrz należy podzielić na główne i wtórne, elementy bogato zdobione i lakoniczne, elementy o skomplikowanych i prostych kształtach.
Poprzez stosowanie zasad kontrast kompozycyjny i powstają piękne wnętrza.
I na tym kończy się lekcja na temat kompozycji architektonicznej i jej zastosowania we wnętrzu. Do zobaczenia już niedługo na kolejnych lekcjach szkoły projektowania wnętrz.
P.S. Jeśli masz jakieś pytania dotyczące tematu dzisiejszej lekcji, zadaj je w komentarzach na ten temat.
Powiązane materiały:
Jeśli spodobał Ci się ten artykuł, kliknij swój ulubiony przycisk mediów społecznościowych.
Kompozycja - W tłumaczeniu z łaciny słowo „kompozycja” (compositio) oznacza kompozycję, łączenie, dodawanie, komponowanie, łączenie części i porządkowanie ich. Jednocześnie często uważa się kompozycję za całościowe, znaczące artystycznie dzieło stworzone przez człowieka. Kompozycję definiuje się także jako celowo zorganizowaną formę, której główną cechą jest harmonijna integralność.
Skład – Jeśli do projektowanego produktu nie da się nic dodać ani odjąć, to można go zaliczyć do składu idealnego. Głównym znaczeniem terminu „Kompozycja” jako procesu twórczego jest odnalezienie jedności i zrównoważonego współdziałania części tworzących całość. O jakości kompozycji decyduje harmonia i stopień jej wyrazistości. Harmonia (równowaga) to harmonijna spójność części jednej całości. Ekspresyjność jest zewnętrzną manifestacją jasnej właściwości, uczucia lub myśli. Na ogólną wyrazistość projektowanego produktu wpływają takie właściwości kompozycji jak proporcja, symetria i asymetria, metr i rytm, kontrast i niuans, faktura, faktura, kolor, skala itp.
Należy pamiętać, że wszystkie części kompozycji, ich struktura i relacje są sobie podporządkowane ogólny pomysł i łączy je wspólne znaczenie.
Rodzaje kompozycji Planarna - kompozycja składająca się z elementów, które nie wystają ponad płaszczyznę. Jego elementy rozmieszczone są w dwóch kierunkach: pionowym i poziomym.
Rodzaje kompozycji Tom-frontal – kompozycja zapewniająca ułożenie części reliefowych na jednej płaszczyźnie. Rozwija się w trzech kierunkach.
Rodzaje kompozycji Kompozycja trójwymiarowa to kompozycja połączonych ze sobą obiektów umieszczonych na różnych poziomach i płaszczyznach i zaprojektowanych tak, aby można je było oglądać ze wszystkich stron. Jego wyrazistość zależy od kąta widzenia.
Rodzaje kompozycji Głębokoprzestrzenna – kompozycja tworząca połączenie obiektów z przestrzenią, w której są umieszczone. Można oglądać ze wszystkich stron, elementy znajdują się w różnych płaszczyznach.
Zasady kompozycyjne opierają się na obiektywnych prawach natury i prawach rozwoju społecznego. Jako pierwszy wyjaśnił naszą fizyczną egzystencję, orientację w przestrzeni, fizyczne reakcje na wpływy środowiska, potrzeby biologiczne. O tym ostatnim decyduje psychologia człowieka i świadomość społeczna. Dialektyczny rozwój właściwy materii znajduje odzwierciedlenie w wytworach ludzkiej działalności duchowej, zwłaszcza w sztuce. Prawa dialektyki przejawiają się bezpośrednio w strukturze kompozycyjnej dzieł sztuki. Samo pojęcie „kompozycji”, czyli połączenia, porównania, implikuje już obecność przeciwstawnych zasad.
Skład – podstawowe prawa fizyczne natury znajdują odzwierciedlenie w strukturze kompozycyjnej. Jedno z podstawowych praw natury, które odgrywa ważną rolę w powstawaniu materii organicznej i nieorganicznej, a także objawia się we wszystkich obszarach działalność człowieka, jest prawem grawitacji. Przejawia się we wszystkim, od położenia i ruchu planet po budowę ciała owada. Prawo grawitacji, tj. uniwersalna grawitacja, wyjaśnia m.in. symetrię, budowę organizmów żywych (potrzeba równowagi), uzasadnia prawa ruchu (prawa mechaniki) i prawa mechaniki niebieskiej. W sztuce prawo grawitacji określa rolę pionu, poziomu i przekątnej w kompozycji, wyjaśnia potrzebę równowagi, znaczenie form symetrycznych, koncepcję góry i dołu w obrazie itp.
Skład – Kolejnym prawem o równie uniwersalnym znaczeniu jest prawo(-a) propagacji światła w przyrodzie, czyli prawo optyki. Dzięki budowie mózgu i narządów zmysłów odbieramy światło, rozróżniamy kolory, kształty przedmiotów i postrzegamy je przestrzennie. Prawa optyki i budowa naszego aparatu wzrokowego determinują nasze postrzeganie przestrzeni i wynikające z tego odkrycie praw perspektywy, ważnego narzędzia kompozycyjnego. Percepcja wzrokowa w połączeniu ze zdolnością dotyku pozwala postrzegać formy jako struktury wolumetryczno-przestrzenne, co znajduje odzwierciedlenie także w sztuce, w modelowaniu form wolumetryczno-przestrzennych. Można założyć, że takie prawa fizyki i chemii, jak prawo zachowania masy, prawo równoważników, prawo stałości proporcji, znajdują odzwierciedlenie w tej czy innej formie w sztuce, zwłaszcza w konstrukcji kompozycyjnej.
Skład – W przyrodzie istnieje „prawo ekonomii”, zgodnie z którym przyroda zawsze „szuka najkrótszych dróg i wybiera rozwiązania ekonomiczne (w wyniku procesu ewolucji, selekcja naturalna). Prawo to przejawia się w strukturze form biologicznych makrokosmosu i mikrokosmosu. Badanie tych form wykazało zdumiewający związek i powtarzalność tego samego proste kształty, które w pewnych kombinacjach powtarzają się w ogromnej różnorodności złożonych form.
Skład – Spirala (możliwość przechowywania informacji, oszczędność energii) Kula (najbardziej ekonomiczny kształt – najmniejsza powierzchnia o największej objętości) Wielościany (w naturze kształt plastra miodu oszczędnie wypełnia przestrzeń) Rura (kanał transportowy służący do przenoszenia składników odżywczych, krew) Drewno (w budynku układ krążenia, organizacja obiektów informacyjnych) Gwiazda (drzewo widziane z góry) Promienie rozchodzą się od środka, dostarczają pożywienia, słońce. energię do środka. Jeśli zbierzesz żywą org. formy do geometrycznych otrzymujemy: kulę, stożek, walec, wielościany.
Kompozycja - Podstawą każdego obrazu jest prosty schemat geometryczne kształty. Po co? Tak, ponieważ ludzkie oko musi poruszać się po płaszczyźnie obrazu, a schemat wyznacza mu przystępną trasę, tak aby oko widza rozpoznało i zobaczyło to, czego potrzebuje, a jednocześnie aby oko się nie znudziło błądzenia po jednej linii, tak aby widz nie był skłonny do odwracania się od obrazu. Wielcy artyści i mistrzowie malując swoje dzieła, starannie podeszli do kwestii kompozycji i zadbali o to, aby widz mógł wygodnie i miło oglądać ich dzieła. Jako przykład podam kilka prac, pokażę ich schematy i drogę widzenia. Jak widać, kompozycja każdej pracy opiera się na prostych kształtach geometrycznych - trójkątach, kołach, kwadratach.
Francisco Goya „Huśtawka na balkonie”
Prawa kompozycji Prawo jedności i integralności. We wszystkich definicjach kompozycji stale obecna jest jej główna cecha - integralność formy. Integralność kompozycji i jedność jej elementów przejawia się w takiej jakości, jak harmonia. Powtórzenie całości w jej częściach służy połączeniu części w całość na podstawie podobieństwa. Obiekt harmonijny charakteryzuje się obecnością cechy wiodącej, wielokrotnie powtarzanej. Takim znakiem może być na przykład przewaga kątów prostych lub powtórzenie charakteru krzywizny itp. Podporządkowanie części jako całości służy zjednoczeniu części w oparciu o cechy główne i wtórne. Najważniejsze można podkreślić większym rozmiarem, masą lub położeniem w stosunku do innych elementów, kształtem, kolorem, fakturą itp. Proporcjonalność części i całości służy zharmonizowaniu części jako całości na podstawie proporcjonalności lub innej typy relacji. Prawo główne jako całość pokazuje, wokół czego zjednoczone są części całości. Równowaga części jako całości służy harmonizacji sił zaangażowanych w pracę całości - przyciągania, odpychania itp.
Prawo jedności i integralności Oznacza to, że Twój rysunek powinien być postrzegany jako całość, niezależnie od liczby przedstawionych na nim obiektów. Bardzo ważna jest tutaj lokalizacja obiektów. Każdy z nich robi na człowieku inne wrażenie, a jeśli nie zostaną uporządkowane, rysunek będzie chaotyczny, irytujący i obniży ogólny efekt rysunku. Wszystkie elementy powinny być połączone układem semantycznym i przestrzennym, kompozycja powinna być różnorodna, ale nie kolorowa.
Prawo jedności i integralności Holenderskie martwe natury zawsze wyróżniały się dużą liczbą przedstawianych obiektów, malowanych z fotograficzną starannością. A jednak artyści umiejętnie połączyli dzieło kolorem i tonem w jedną całość.
Środki harmonizacji kompozycji Obiektywne zjawiska wrodzone naturze – symetria, asymetria, proporcjonalność, kontrast, rytm – postrzegane przez ludzką świadomość, opanowywane przez doświadczenie i rozumiane jako kategorie harmonii – wykorzystywane są w procesie twórczości artystycznej jako środek tworzenia formę artystyczną. Za pomocą tych środków odkrywana jest treść i harmonizowana forma. W literaturze specjalistycznej nazywane są one zwykle środkami harmonizującymi lub środkami kompozycyjnymi.
Środki harmonizujące można warunkowo podzielić na kilka grup, w zależności od rodzaju relacji pomiędzy elementami całości, które reprezentują. Symetria i asymetria grupy 1 charakteryzuje się położeniem elementów względem osi lub środka obrotu. Dzięki symetrii ustalona zostaje prawa i lewa część obrazowej całości, uwydatniony zostaje środek i wyimaginowana oś. Symetria oznacza równoważność, równą wielkość. Dzięki symetrii kompozycja zyskuje stabilność i równowagę. Symetria oznacza pokrewieństwo, podobieństwo, ale może także służyć jako środek opozycji (obraz symetryczny, kontrastujący tonem lub kolorem; przeciwstawienie dwóch kontrastujących postaci) w ujęciu psychologicznym. Symetria nadaje obrazowi statyczny wygląd. Asymetria ją łamie, ale zachowuje swoją orientację względem osi, choć od niej odbiega. Asymetria ma dynamiczne pochodzenie.
Środki harmonizujące można warunkowo podzielić na kilka grup, w zależności od rodzaju relacji pomiędzy elementami całości, które reprezentują. Grupa 2 tożsamość, proporcje, moduł, skala charakteryzują się zależnościami wymiarowymi pomiędzy częściami całości oraz pomiędzy częściami a całością. Dzięki nim części całości są współmierne do siebie i do całości: tożsamość – powtórzenie, absolutna równość; powtórzenie modułu jednej wartości w innej liczbie całkowitej; skala wskazuje korelację rozmiarów - wzrost lub spadek określonej liczby razy jednego rozmiaru w stosunku do drugiego oraz względny stosunek obiektów (na przykład rzeczy i osoby); proporcje wskazują relacje między rozmiarami. Części, elementy artystycznej całości, połączone proporcjonalnymi relacjami, pojedynczy moduł czy skala, nabierają proporcjonalności i tym samym harmonizują formę.
Środki harmonizujące można warunkowo podzielić na kilka grup, w zależności od rodzaju relacji pomiędzy elementami całości, które reprezentują. Grupa 3: niuans i kontrast wskazuje stopień i charakter różnicy pomiędzy częściami i elementami dzieła. Zniuansowane relacje, podobne w formie, tonie, kolorze, fakturze, objętości, rozmiarze itp., Wzbogacają formę grą odcieni i detali. Kontrastowe relacje, przeciwstawiające się podstawowym elementom charakteryzującym formę, są motorem napędowym rozwoju formy. Niuanse i kontrasty uzupełniają i wzbogacają przyjaciela: kontrast podkreśla niuanse, ujawnia jego grę; niuans łagodzi i uzupełnia kontrast. Niuans może również służyć niezależne środki wyrażenia kiedy dzieło sztuki w całości zbudowany na niuansowych relacjach, w podobnych tonach lub w jednym schemat kolorów. Kontrast objawia się przede wszystkim w zderzeniu przedmiotu z przestrzenią, bryłą i płaszczyzną, a następnie w relacji obiektów, plam, linii - w wielkości, kształcie, kolorze, kierunku ruchu i innych przejawach elementów formy.
Środki harmonizujące można warunkowo podzielić na kilka grup, w zależności od rodzaju relacji pomiędzy elementami całości, które reprezentują. Grupa 4: metrum i rytm charakteryzuje ruch. Metr to najprostsze powtórzenie tego samego elementu ( murarstwo). Metrum i rytm są zasadniczo symetryczne. Ale rytm, w przeciwieństwie do metrum, opiera się na naprzemienności różnych, ale powtarzających się elementów. W miarę jak staje się bardziej złożony, zrywa z symetrią (na przykład złożonym rytmem obrazu), towarzysząc świadomemu wzorowi ruchu, zmieniając jego charakter, tempo i kierunek. Rytm może mieć także charakter regularny (np. w ornamencie). Ale zawsze wprowadza zasadę organizacyjną do chaotycznego ruchu i bez niego harmonia jest nie do pomyślenia.
Heterogeniczność pola widzenia i schematów kompozycyjnych. Pola i schematy kompozycyjne. Pole obrazowe nazywamy ograniczoną powierzchnią, płaszczyzną, na której umiejscowiony jest obraz, obraz. Polem tym może być kartka papieru lub płótno o określonym rozmiarze i formacie, albo przestrzeń ściany, albo powierzchnia obiektu trójwymiarowego (opakowanie). Cecha charakterystyczna Pole obrazowe polega na tym, że nie jest neutralne w stosunku do tego, co jest na nim przedstawione, ale ma na nie pewien wpływ, ponieważ nie wszystkie punkty tego pola są równoważne. Obraz zależy od rozmiaru, proporcji, kształtu pola i środowisko. Nierówność pola wynika z cech naszej percepcji wzrokowej. W rezultacie niektóre obszary pola znajdują się w strefie aktywnej percepcji, inne poza nią.
Jeśli wyobrazisz sobie pole w postaci regularnej figury geometrycznej, łatwo będzie wykryć te aktywne punkty. Przykładowo: W prostokącie najbardziej aktywne są punkty leżące na osi środkowej i przecinającej ją linii poziomej w środku optycznym: punkty leżące na przekątnych, punkty wskazujące proporcje złotego podziału; punkty leżące na granicach owalu mieszczącego się w danym prostokącie.
Jeśli wyobrazisz sobie pole w postaci regularnej figury geometrycznej, łatwo będzie wykryć te aktywne punkty. Na przykład: W kwadracie - punkty leżące na przekątnych; punkty leżące na przecięciu przekątnych z okręgiem wpisanym w kwadrat; punkt przecięcia przekątnych.
Jeśli wyobrazisz sobie pole w postaci regularnej figury geometrycznej, łatwo będzie wykryć te aktywne punkty. Na przykład: W okręgu - środek okręgu i punkty wokół niego oraz tuż nad środkiem geometrycznym; punkty leżące na bokach pięciokąta wpisanego w okrąg i na jego przekątnych.
Jeśli wyobrazisz sobie pole w postaci regularnej figury geometrycznej, łatwo będzie wykryć te aktywne punkty. Na przykład: W trójkącie - w obszarze przecięcia wysokości dwusiecznych i środkowych. Zatem sama figura geometryczna zawiera już „punkty aktywne”, na których skupia się uwaga, dlatego też jasne jest, że kompozycja nie może ignorować wpływu tych punktów, ze względu na specyfikę percepcji wzrokowej.
Wiadomo, że nasze spojrzenie, poruszając się w polu niezapełnionym jeszcze obrazem, wykonuje serię ruchów, przesuwając się po wyimaginowanych krzywiznach i liniach prostych. Ruchu tego nie można nazwać chaotycznym, gdyż ma on określony kierunek, zależny przede wszystkim od geometrycznego kształtu pola. W pionowo wydłużonym prostokącie najbardziej charakterystyczny jest ruch Kształt S. Okrąg charakteryzuje się ruchem po okręgu. Wiele postaci charakteryzuje się ruchem poziomym i pionowym, który tworzy krzyż. Mistrzowie renesansu i epok kolejnych – Raphael, Poussin, Delacroix, Surikov – przywiązywali dużą wagę do struktury kompozycyjnej, uznając rolę schematów kompozycyjnych, „głównych linii”, „punktów aktywnych”, świadomie uwzględniając ich wpływ w swoich dziełach .
Strefy aktywne i linie pola nadają polu intensywność, dzięki czemu elementy obrazu, pokrywające się z różnymi punktami pola widzenia, doświadczają różnych stanów. Element obrazowy, który pokrywa się ze środkiem koła lub wizualnym środkiem prostokąta, zajmuje stałą pozycję i nie ma tendencji do zmiany swojego położenia. Elementy, które wpadają w nieaktywną strefę pola, wręcz przeciwnie, mają tendencję do jej opuszczania i odnajdywania równowagi. Odbijając się echem od innych elementów, które również są w stanie niezrównoważonym, lub grupując się w pobliżu zrównoważonych, przy pomocy rytmu i innych środków harmonizacji dochodzą do stanu dynamicznej równowagi.
W dziełach sztuki często obserwujemy, że główne kluczowe momenty kompozycji pokrywają się swoim położeniem z aktywnymi punktami pola obrazowego. Jednak zbyt konsekwentne stosowanie tej techniki prowadzi do sztywności i monotonii kompozycji, do samowystarczalności schematu. Dlatego artyści, poszukując nowych możliwości kompozycyjnych, poszukują takich relacji pomiędzy elementami kompozycji a „aktywnymi punktami” pola, które pozwolą im na osiągnięcie kompozycji zrównoważonej, bez – wydawałoby się – obowiązkowej koincydencji z aktywne punkty. Osiąga się to dzięki tym samym sposobom harmonizacji. Na przykład zamiast umieszczać główny element w środku lub na osi symetrii, elementy równoważące się nawzajem umieszcza się po przeciwnych stronach osi, podkreślając główny element za pomocą kontrastujących relacji kolorów lub tonów lub innych technik.
Symetria opiera się na podobieństwie. Oznacza to taką relację pomiędzy elementami, figurami, gdy się powtarzają i równoważą. W matematyce symetria oznacza ustawienie części figury podczas jej przesuwania względem osi lub środka symetrii. Istnieją różne rodzaje symetrii. Najprostsza forma symetria jest lustrzana (osiowa), która występuje, gdy figura obraca się wokół osi symetrii. Symetria występująca, gdy figura obraca się wokół środka obrotu, nazywa się centralną. Piłka ma najwyższy stopień symetrii, ponieważ w jej środku przecina się nieskończona liczba osi i płaszczyzn symetrii. Charakterystyczna jest absolutna, sztywna symetria przyroda nieożywiona- kryształy (minerały, płatki śniegu). Przyroda organiczna i organizmy żywe charakteryzują się niepełną symetrią (quasi-symetrią) (na przykład w budowie człowieka).
Symetria Naruszenie symetrii, asymetria (brak symetrii) wykorzystywana jest w sztuce jako środek artystyczny. Niewielkie odchylenie od prawidłowej symetrii, czyli pewna asymetria, zakłócająca równowagę, przyciąga uwagę, wprowadza element ruchu i sprawia wrażenie żywej formy. Różne rodzaje symetrii w różny sposób oddziałują na zmysł estetyczny: symetria lustrzana – równowaga, spokój; Spiralna symetria wywołuje wrażenie ruchu. Khzmbidj klasyfikuje wszystkie proste figury geometryczne jako symetrię statyczną (dzieląc wszystkie typy symetrii na statyczną i dynamiczną) i zalicza spiralę do symetrii dynamicznej. Symetria statyczna często opiera się na pięciokącie (wycięcie kwiatu lub owocu) lub kwadracie (w minerałach). W sztuce rzadko stosuje się ścisłą symetrię matematyczną.
Rytm to jednolita przemiana elementów wymiarowych, kolejność kombinacji linii, objętości, płaszczyzn. Rytm jest jednak charakterystyczny nie tylko dla ruchu, ale także dla obiektu statycznego. Na przykład w konstrukcjach architektonicznych rytmiczne rozmieszczenie okien w pionie i poziomie. Rytm można zaobserwować także w obrazach planarnych: wzorach na tapetach, dywanach i tkaninach. Szczególnie jasną manifestację rytmu możemy zaobserwować u zwierząt i flora. Najprostsze przejawy rytmu z charakterystyczną powtarzalnością w kompozycji identycznych form w równych odstępach można zaobserwować w układzie kolumn starożytnych świątyń, w jednolitym rozmieszczeniu maszyn tego samego typu w warsztacie, w rozmieszczeniu guzików na urządzenia itp.
Rytm Organizująca rola rytmu w kompozycji jest tym aktywniejsza, im silniejszy jest przejaw tego schematu. Rytm może być słabo wyrażony, gdy zmiany w przemianach lub samych elementach są ledwo zauważalne, ale może być też tak mocny i potężny, że staje się wiodącym początkiem kompozycji. Rytm kolorów ma szerokie zastosowanie, zwłaszcza w produkcji: kolor pomieszczeń, wyposażenia, miejsc pracy, odzieży roboczej, komunikacji. Rytm kolorów tworzy niepowtarzalny klimat kolorystyczny. Porządek metryczny charakteryzuje się równością elementów znajdujących się w równych odległościach od siebie, jak np. rzędy okien budynków mieszkalnych, jednakowe wstęgi okalające piętra, przęsła mostów itp. Uwzględnienie możliwości łączenia metrycznego i rytmicznego porządku można wyróżnić trzy główne kategorie rytmiczne: porządek metryczny, porządek rytmiczny, porządek metryczny. Istnieje rytm, który rośnie i maleje. Niekończące się powtarzanie dowolnej serii metrycznej może w końcu wydawać się monotonne i nudne.
Matematyczne prawa kompozycji. Kwadrat i prostokąt. W strukturze kompozycyjnej dzieł sztuki i wzornictwa istotne są proporcje prostokątów i innych kształtów geometrycznych, w jakie wpisuje się dane dzieło lub jego główne części. Dlatego powinniśmy rozważyć prostokąty, które znalazły najwięcej szerokie zastosowanie ze względu na swoje właściwości harmoniczne. Kwadrat jako forma konstrukcyjna znana jest od dawna. Przyciągał uwagę artystów Starożytny świat i renesans. Rysunek Leonarda da Vinci przedstawia znany już starożytnym związek kwadratu i koła z postacią ludzką (Witruwiusz). Artyści renesansu - niemiecki Durer, włoski Pacioli, Francuz Tory, opracowując zarys liter, wychodzili od kształtu kwadratu; litera ze wszystkimi jej elementami mieściła się w kwadracie, chociaż nie wszystkie litery były zrównane z kwadratem , ale o ogólnej strukturze kompozycyjnej decydował kwadrat.
Matematyczne prawa kompozycji. Kwadrat i prostokąt. Starożytni Grecy epoki klasycznej preferowali prostokąty C 2 i C 5, Hambidge twierdzi, że 85% dzieł greckiej sztuki klasycznej zbudowane jest na prostokącie C 5. Podzielony w pionie i poziomie na dwie części, przywraca swoje proporcje. Prostokąt ten można podzielić na kwadrat i dwa małe prostokąty złotej proporcji. Dodatkowo widoczne są w nim dwa prostokąty złotego podziału, nakładające się na siebie wielkością kwadratu. Pozostała część to także prostokąt złotego podziału. Zatem prostokąt C 5 wykazuje właściwości rytmiczne.
Matematyczne prawa kompozycji. Kwadrat i prostokąt. Prostokąt Ts 2 ma również szerokie zastosowanie, zwłaszcza w dziedzinie grafiki użytkowej. Jest używany jako format papierowy dla dokumentów biznesowych, ponieważ ma niesamowita nieruchomość, - podzielony na pół nie zmienia swoich proporcji. Po podzieleniu powstaje wiele podobnych prostokątów, harmonijnie połączonych jednością kształtu. Proporcje boków prostokąta Ts 2 stosowane w standardzie Portatmana.
Matematyczne prawa kompozycji. Kwadrat i prostokąt. W oparciu o prka Ts 2 przeprowadzono standaryzację i ujednolicenie formatów książek, gazet, dokumentów biznesowych, pocztówek, plakatów, teczek i innych obiektów związanych z grafiką użytkową. Standard ten, znany jako standard Dr. Porstmanna, został przyjęty w 17 krajach europejskich. Standard oparto na formacie 841 x 1189 mm i powierzchni 1 m2 Z niego wyprowadzono pozostałe formaty składające się na jego udziały: 1 m² - 841 x 1189 mm 1/2 m² - 594 x 841 mm. 1/4 m² - 420 x 594 mm 1/8 m² - 297 x 420 mm (podwójny arkusz) 1/16 m² - 210 x 297 mm (arkusz do korespondencji biznesowej, formularzy) 1/32 m² - 148 x 210 mm (połowa arkusz do korespondencji biznesowej, formularze) 1/64 m² - 105 x 148 mm (pocztówka) 1/128 m² - 74 x 105 mm (wizytówka) Standard przewiduje również dodatkowe formaty 1000 x 1414 i 917 x 1297 oraz ich ułamki. Dostępne są następujące rozmiary kopert: 162 x 229 i 114 x 162 (standard nie jest pokazany w całości).
Matematyczne prawa kompozycji. Proporcje. Zasada złotego podziału. Już w starożytności człowiek odkrył, że wszystkie zjawiska w przyrodzie są ze sobą powiązane, że wszystko podlega ciągłemu ruchowi, zmianom, a wyrażone w liczbach ujawnia niesamowite wzory. W Starożytna Grecja W epoce klasycznej powstało wiele nauk o harmonii. Spośród nich nauka pitagorejska pozostawiła najgłębszy ślad w kulturze światowej. Zwolennicy Pitagorasa wyobrażali sobie świat, wszechświat, przestrzeń, przyrodę i człowieka jako jedną całość, w której wszystko jest ze sobą powiązane i pozostaje w harmonijnych relacjach. Harmonia pełni tu rolę początku porządku – uporządkowania chaosu. Pitagorejczycy próbowali matematycznie uzasadnić ideę jedności świata, argumentowali, że podstawa wszechświata jest symetryczna geometryczne kształty. Zbadali proporcje ludzkie ciało i zatwierdził matematyczny kanon piękna, zgodnie z którym rzeźbiarz Poliklet stworzył posąg „Kanon”. Wszystko sztuka klasyczna Grecja nosi piętno pitagorejskiej doktryny proporcji. Jego wpływu doświadczyli uczeni średniowiecza, nauka i sztuka renesansu, New Age aż po dzień dzisiejszy.
Zatem proporcjonalność, proporcjonalność części całości jest najważniejszym warunkiem harmonii całości i można ją matematycznie wyrazić poprzez proporcje. Proporcja oznacza równość dwóch lub więcej stosunków. Istnieje kilka rodzajów proporcjonalności: matematyczna, harmoniczna, geometryczna itp. W proporcjonalności matematycznej równość dwóch relacji wyraża się wzorem a: b = c: d, a każdy jej element można określić za pomocą pozostałych trzech. Istnieją 3 elementy w proporcji harmonicznej. Są to albo różnice parami pewnej trójki elementów, albo same te elementy, np.: a: c = (a - b): (b - c) W proporcji geometrycznej też są tylko 3 elementy, ale jeden z nich jest wspólne: a: b = b: Z
Zatem proporcjonalność, proporcjonalność części całości jest najważniejszym warunkiem harmonii całości i można ją matematycznie wyrazić poprzez proporcje. Rodzajem proporcji geometrycznej jest proporcja tzw. „złotego podziału”, w której występują tylko dwa człony „a” i „b” - ulubiona proporcja artystów, którą w renesansie nazywano „boską proporcją”. Osobliwością proporcji złotej części jest to, że ostatni jej człon jest różnicą między dwoma poprzednimi wyrazami, tj.: a: b = b: (a - b) Stosunek złotej części wyraża się liczbą 0,618 proporcja złotego podziału: 1: 0,618 = 0,618: 0,382
Zatem proporcjonalność, proporcjonalność części całości jest najważniejszym warunkiem harmonii całości i można ją matematycznie wyrazić poprzez proporcje. Jeśli odcinek linii prostej wyrazimy w postaci jedności, a następnie podzielimy na dwa odcinki według złotej proporcji, wówczas większy odcinek będzie równy 0,618, a mniejszy 0,382. pokazuje podział odcinka na części według złotego podziału.
Matematyczne prawa kompozycji. Prostokąt złotego podziału. Na podstawie proporcji złotej części skonstruowano serię liczb, niezwykłą tym, że każda kolejna liczba okazała się taka równa kwocie dwa poprzednie: 1, 1, 2, 3, 5, 8, 1 3, 21 itd. Szereg ten został odkryty przez włoskiego matematyka Fibonacciego i dlatego nazywany jest szeregiem Fibonacciego. Ma tę właściwość, że stosunki między sąsiednimi wyrazami, wraz ze wzrostem liczb szeregu, coraz bardziej zbliżają się do 0,6 · 18, czyli stosunku złotego podziału. Naukowcy kojarzą proporcje złotego podziału z rozwojem materii organicznej. Złoty podział odkryto w obiektach żywej natury - w strukturze muszli, drewna, w ułożeniu nasion słonecznika, w budowie ludzkiego ciała, zaobserwowano go także w strukturze wszechświata w układzie planet .
Matematyczne prawa kompozycji. Prostokąt złotego podziału. W nawiązaniu do złotej proporcji pojawiają się także elementy kształtów geometrycznych – pięciokąt, gwiazda.
Matematyczne prawa kompozycji. Prostokąt złotego podziału. W prostokącie złotego podziału boki są w proporcji złotego podziału. Prostokąt ten zawiera kwadrat i mały prostokąt złotego podziału (jego duży bok jest małym bokiem pierwotnego prostokąta). Dlatego na podstawie kwadratu można zbudować prostokąt złotego podziału: bok kwadratu dzieli się na pół, od tego punktu do góry rysuje się przekątną, za pomocą której na podstawie kwadratu buduje się prostokąt złotego podziału stronę placu
Matematyczne prawa kompozycji. Prostokąt złotego podziału. Jeśli połączymy wierzchołki kwadratów krzywej, otrzymamy krzywą logarytmiczną, nieskończenie rosnącą spiralę, którą nazywa się „krzywą rozwoju”, „spiralą życia”, ponieważ wydaje się zawierać w sobie ideę nieskończony rozwój.
Matematyczne prawa kompozycji. Prostokąt złotego podziału. Niekończące się powtarzanie prostokąta złotego podziału i kwadratu podczas rozcinania prostokąta złotego podziału ujawnia powtórzenie całości w jej częściach, co jest jednym z warunków harmonii całości. Tę właściwość prostokąta złotego podziału odkryli artyści i zaczęli ją wykorzystywać złoty podział jako sposób harmonizacji, sposób proporcjonalności. Fidiasz zastosował złoty podział podczas budowy Akropolu (V w. p.n.e.). W okresie renesansu złoty podział był stosowany nie tylko w architekturze, rzeźbie, malarstwie, ale także w poezji i muzyce. Dürer, Leonardo da Vinci i jego uczeń Luca Pacioli posługiwali się złotym podziałem w poszukiwaniu harmonijnych proporcji liter.
Matematyczne prawa kompozycji. Prostokąt złotego podziału znajdujemy w proporcjach średniowiecznych ksiąg rękopiśmiennych oraz w współczesna książka, gdyż harmonijne proporcje złotego podziału pozwalają pięknie zorganizować przestrzeń strony książki i rozkładówki. Schemat idealnych proporcji średniowiecznego rękopisu. Proporcje strony wynoszą 2:3, a płaszczyzna zajmowana przez literę jest w proporcji złotego podziału.
Matematyczne prawa kompozycji. Prostokąt złotego podziału. Jeden ze sposobów określenia wielkości ustalonej listwy dla danego formatu.
Zaproponowany moduł Le Corbusiera system modułowy, łącząc go z wymiarami sylwetki ludzkiej i proporcjami złotego podziału („Moduler”). W oparciu o rozmiar 183 cm (wzrost stojący mężczyzna) i 226 cm (wzrost osoby z podniesioną ręką), Le Corbusier skonstruował szereg matematyczny. „Skala czerwona” - 183 cm, 113 cm, 70 cm 43 cm i „skala niebieska” - 226 cm, 140 cm 86 cm itd. Każdy rząd liczb jest połączony proporcjami złotego podziału. Warto zauważyć, że liczby „skali niebieskiej” powstają poprzez podwojenie poprzednich liczb „skali czerwonej”. Ale najbardziej niezwykłą rzeczą w tych szeregach jest... że prawie wszystkie wskazane wymiary są w ten czy inny sposób powiązane z pewnym położeniem postaci ludzkiej w przestrzeni.
Skala Aby scharakteryzować proporcjonalność przedmiotów, całości i jej poszczególnych części, a także przedmiotu i osoby, stosuje się pojęcia skali i wielkości. Postrzeganie rzeczywistego rozmiaru obiektów powstaje tylko w porównaniu ze sobą. Pojęcie skali przeszło do projektowania z architektury i jest ważną cechą przedmiotu. Polega ona na porównaniu wielkości danego obiektu z naszymi wyobrażeniami na temat tej wielkości. Odstępstwo od tego powoduje wewnętrzny protest, a wraz z nim niezadowolenie estetyczne. Jakie są specyficzne oznaki „skali” w przyrodzie? W przypadku dużych, dojrzałych organizmów są to kontrastujące proporcje części ciała (na przykład stosunek wielkości głowy do ciała). Wystarczy porównać ich stosunek u dziecka i osoby dorosłej, szczenięcia i psa. W roślinach „łańcuch” relacji może mieć różną złożoność: w młode drzewo jest to prostsze (pień - gałąź - liść), natomiast dla dużego jest to pień - gałąź - gałąź - mała gałąź - liść.
Skala Jak i jakimi środkami osiągamy określenie wymaganej, optymalnej skali? Przede wszystkim wybierając rozmiar, który odpowiada naszym wyobrażeniom i nie narusza relacji przedmiotu z człowiekiem czy też z materialnym otoczeniem (obiektami, architekturą) i przestrzenią. Duże znaczenie mają tzw. miary skali. Są to części, które mają „twardy” cel funkcjonalny i znaną nam wartość. W architekturze jest to wysokość balustrady schodowe, stopnie, siedzenia. W pojeździe kołowym wysokość kabiny jest zawsze dostosowana do wzrostu. osoba. Drugą skrajnością jest nadmierne uproszczenie, które jest odbierane jako chamstwo. Minimalizując lub wyolbrzymiając skalę, projektant zmienia artystyczny wygląd obiektu lub otoczenia. Oprócz rozumienia skali jako proporcjonalności form środowiska do osoby, istnieje interpretacja skali jako środka kompozycji, środka rozwiązywania problemów ideologicznych i figuratywnych. Istnieją takie pojęcia jak „duża skala” i „mała skala”. Wielkoskalową budowlę cechuje duża lakoniczność form i duże podziały, co nadaje jej wrażenie monumentalności.
AUTOR sam ustala prawo, według którego oceniana jest doskonałość jego dzieła. WYBIERA te kontrasty, które stworzą dźwięk, melodię i siłę, której potrzebuje - i znajduje sposoby, aby utrzymać tę różnorodność w JEDNOŚCI.
1) Rodzaje materiału roślinnego wg cel funkcjonalny.
2) Znaki (warunki) harmonijnej kompozycji. Elementy kompozycji.
3) Narzędzia do kompozycji
4) Zasady konstruowania kompozycji kwiatowej.
Materiał roślinny dzieli się na trzy typy w zależności od jego przeznaczenia funkcjonalnego:
1) Liniowy (formatywny) – stanowi podstawę (szkielet) kompozycji, która wyznacza wysokość i szerokość kompozycji. Mogą to być wysokie łodygi ziół, roślin kwiatowych, gałęzie lub zakrzywiona winorośl.
2) Fokus – jest główny (dominujący). Mogą to być duże lub jasne kwiaty, kwiaty ciekawy kształt itp. Materiał ogniskujący jest stosowany w dowolnej kompozycji, aby przyciągnąć uwagę wzrokową.
3) Materiał wypełniający to rośliny lub liście o drobnych kwiatach, które służą do maskowania elementów złącznych, naczyń, wypełniania pustych przestrzeni kompozycji i nadawania jej dodatkowych odcieni kolorów.
4) Oprócz kwiatów można użyć różnych gałązek i owoców drzew i krzewów, winorośli, zbóż, warzyw i owoców. Zielona masa równoważy kontrasty i wyrównuje tło.
Znaki kompozycji.
1) Uczciwość.
2) Obecność dominującej.
3) Równowaga.
Elementy kompozycji.
1) Linie. Szczególnie istotne w przypadku kompozycji liniowych
2) Masa to skupienie koloru w jednym miejscu, często składające się z małych kolorów, które trudno zastosować pojedynczo. Można go również uformować z liści lub igieł. Masa zagęszcza barwę poszczególnych barw, tworzy akcent, stwarza wizualne wrażenie ciężaru i siły.
3) Kolor jest środkiem do stworzenia wyrazistej kompozycji, wywołującej określone emocje. Dużą uwagę przywiązuje się do połączenia kolorów kwiatów, wazonu i tła.
4) Kolor i kształt naczyń – do kompozycji należy wybierać wazony proste, skromne, niezbyt jasne, nie malowane. Uniwersalne kolory naczyń to: biały, czarny, szary, zielony.
5) Przestrzeń (pustka) – może być ważna element dekoracyjny w wielu kompozycjach kwiatowych. Naprzemienność pustych i wypełnionych przestrzeni wyznacza rytmiczny, masywny styl, sugerujący całkowite wypełnienie pustki, oraz liniowy - swobodę i lekkość.
6) Tło – powinno tworzyć harmonijną całość z roślinami i wazonem. Tło może odmienić aranżację, wzmocnić jej efekt lub „zabić” ją. Wielokolorowe bukiety giną na pstrokatym tle, a bukiety monochromatyczne łączą się z bladym tłem tych samych odcieni.
7) Tekstura – (struktura, charakter powierzchni) szorstka, gładka, błyszcząca, matowa, szorstka i delikatna.
8) Liczba kolorów - należy wziąć pod uwagę dla harmonijnego zestawienia i harmonijnego odbioru. Kwiaty, gałęzie i zieleń nie powinny się gromadzić ani zakrywać. Tym bardziej różne kolory ułożone razem, tym trudniej je dostrzec i gorzej je zachować ze względu na odmienne biologiczne warunki przetrzymywania.
1) Dominanta jest główną częścią aranżacji; przede wszystkim nie powinna przytłaczać pozostałych elementów. Spektakularnym akcentem może być piękny kwiat lub ich grupa, oryginalny duży liść, piękna linia, a nawet pustka. Wszystkie pozostałe elementy kompozycji są jej podporządkowane, wzmacniając jej oddziaływanie na odbiorcę.
2) Kubatura – w każdej aranżacji wysokość, szerokość i głębokość powinny być wyraźnie widoczne. Aranżacja nie będzie wyrazista, jeśli między jej głównymi elementami zachowana będzie taka sama odległość lub w równych odstępach rozmieszczone zostaną dodatkowe rośliny. Kwiaty i gałęzie powinny sprawiać wrażenie objętości, różnorodności, tj. nie powinny znajdować się w tej samej płaszczyźnie. Elementy powinny znajdować się na różne wysokości, co sprawia, że bukiet jest obszerny, ale nie zakłóca rytmu i równowagi.
3) Rytm (powtórzenie) – przy dobrym rytmie zarówno forma, jak i kolor występują naprzemiennie w kompozycji. Rytm można stworzyć zmieniając wielkość kwiatu (od dużego w środku lub u dołu do średniego i małego u góry i na obrzeżach), od jasnego do matowego, od jaśniejszego do ciemniejszego, od szorstkiego do miękkiego itp.
4) Kontrast jest częstą techniką w aranżacjach, tworzącą intrygę, emocjonalność i ekspresję. (duży liść i cienko zakrzywiona gałąź, błyszcząca powierzchnia i owłosione liście, lakonizm i zawiłe linie). Kontrast nadaje aranżacji dynamiki.
5) Proporcjonalność to zachowanie proporcji pomiędzy naczyniem a elementami układu. Klasyczna proporcja to 3x5x8 (zasada złotego podziału). W przypadku niskiego wazonu przyjmijmy jego szerokość jako trzy części; wysokość powinna być równa pięciu części. Przy wyborze proporcji roślin i wazonów brane są pod uwagę cechy strukturalne materiału roślinnego. Niektóre rośliny wyglądają lepiej w niskich, przysadzistych wazonach, inne w wysokich.
6) Równowaga to wizualna i fizyczna równowaga kompozycji. Wizualnie zrównoważona kompozycja jest postrzegana jako cięższa u podstawy (szyi) naczynia i lżejsza w dalszej odległości. Osiąga się to poprzez dystrybucję kolorów, rozmiarów i tworzenie różnej gęstości roślin w formie. Ciemne odcienie (ciemnoczerwony, niebieski, fioletowy, brązowy, czarny) są postrzegane jako ciężkie. Światło - jasne kolory (różowy, biały, niebieski, żółty, pomarańczowy). Niezdefiniowane kolory obejmują zielony i szary.
7) Skala to stosunek wielkości bukietu do wielkości pomieszczenia.
1) Każdy kwiat powinien być dobrze widoczny i niezakopany w zieleni. Aby to zrobić, w razie potrzeby usuwa się liście z żywych lub sztucznych, pozostawiając te najpiękniejsze i niezbędne.
2) Każda kompozycja musi mieć punkt centralny, nie powinna być zbyt wyrazista, w przeciwnym razie cała aranżacja straci sens.
3) Układ może być jednostronny (czołowy) lub okrągły. Kompozycje jednostronne składają się z kwiatów o różnej długości łodyg, dzięki czemu tylko twarz. Rośliny z długą szypułką umieszcza się w tle, z krótką na pierwszym planie. Kwiaty powinny być skierowane w stronę widza, a zieleń może wypełnić kompozycję ze wszystkich stron. Więcej niż jeden jest umieszczony w centrum duże liście lub jaśniejsze kolory. Kompozycje frontalne mogą być małe lub duże. Układy okrężne są tak wykonane, aby kwiaty były widoczne ze wszystkich stron, są rozłożone tak, aby patrzyły na zewnątrz kompozycji, a nie były zwrócone do wewnątrz. Wysokie rośliny umieszcza się pośrodku, krótsze i zakrzywione rośliny umieszcza się w okręgu ze wszystkich stron. Zieleń aranżacyjna umieszczana jest wewnątrz i na zewnątrz aranżacji.
4) W żadnym układzie pionowe łodygi nie powinny się przecinać; jest to dopuszczalne tylko wtedy, gdy istnieje specjalna konstrukcja.
5) Aby podkreślić kolor kwiatów w kompozycji, trzeba wziąć wiele kwiatów, ale aby pokazać oryginalną strukturę kwiatu, wystarczy jeden lub dwa (irys, lilia).
Twój projekt może mieć najpiękniejsze elementy graficzne na świecie, ale jeśli nie będzie miał odpowiedniej kompozycji, wszystko na marne.
Można więc śmiało powiedzieć, że kompozycja w projektowaniu stron internetowych jest niezwykle ważna. Jaki jest skład? Mówienie w prostych słowach, oto jak poszczególne elementy projektowanie stron internetowych tworzy ogólny obraz projektu.
Właściwa kompozycja oznacza, że zaaranżowałeś, rozesłałeś, skoordynowałeś i skompilowałeś swój projekt tak, aby nie tylko dobrze wyglądał, ale był także funkcjonalny i skuteczny. Przyjrzyjmy się więc kilku technikom tworzenia harmonijnej kompozycji w projekcie strony internetowej.
Kluczowym elementem każdej dobrej kompozycji jest odpowiednie skierowanie (skupienie) wzroku użytkownika na nim ważne elementy projekt.
Wybierając punkt centralny, pamiętaj, że głównym celem Twojego projektu jest „komunikacja” użytkownika z witryną. Właściwy wybór tematu decyduje o skuteczności takiej komunikacji.
Istnieje kilka metod określania centralnego punktu projektu, takich jak skala, kontrast itp. Omówimy te metody później. Przeanalizujmy teraz przykład.
To dzieło Matthew Metza dla sprzedawcy modne ubrania Nordstrom, więc uwaga skupia się na modelce i jej ubraniach. Umieszczono więc ją pośrodku, a pomarańczowe kółko ustawiono tak, aby podkreślić i zwrócić uwagę na jej twarz, a następnie na strój. Dodatkowo obraz zawiera białe linie prowadzące, które kierują wzrok użytkownika na informację tekstową znajdującą się poniżej.
Również w poniższym przykładzie projektu. Koncentrujemy się na osobie w środku. Osiąga się to nie tylko poprzez umieszczenie postaci w centrum, ale także „obramowanie” jej grafiką złożoną z ręcznie rysowanych obrazów.
Jeśli chcesz, żeby ktoś gdzieś spojrzał, wskazujesz ręką lub palcem. W przypadku projektowania wykorzystuje się do tego linie prowadzące i kształty. Przyjrzyj się, jak zostało to wykorzystane w poniższym przykładzie.
Linie wiodące mogą również prowadzić do różnych poziomów informacji. Umieszczając i zmieniając wygląd i kształt linii prowadzących, możesz stworzyć hierarchię celów dla wzroku użytkownika. Przykład takiej techniki znajduje się poniżej.
Oczywiście nie każdy projekt, który tworzysz, ma tak oczywiste linie wiodące. Ich zastosowanie osiąga się poprzez łączenie lub łączenie różnych elementów. Przykładem tej techniki jest poniższy plakat, który wykorzystuje linię lewej ręki osoby, aby poprowadzić wzrok od logo do osoby, a następnie w dół plakatu.
Skala i hierarchia to podstawowe elementy, które naprawdę mogą zmienić lub zepsuć cały projekt. Dlatego bardzo ważne jest ich kontrolowanie, aby uzyskać dobry skład.
Hierarchia to układ elementów w projekcie, który wizualnie charakteryzuje ich znaczenie. Na przykład ważniejsze elementy są większe i czasami jaśniejsze niż mniejsze. Hierarchia ma ogromne znaczenie, zwłaszcza gdy o czym mówimy o typografii.
Skalę często wykorzystuje się do ukazania hierarchii poprzez zwrócenie uwagi na istotne elementy, wskazując tym samym na ich znaczenie w przekazywaniu informacji. Skala służy również do przekazania proporcji i poczucia wielkości Twojemu projektowi. Możesz tworzyć elementy niezwykle szczegółowe, skomplikowane i małe lub duże i ogólne.
Na przykład poniższy plakat wykorzystuje pomniejszone sylwetki dwóch osób, aby oddać ogrom widoku naprzeciw nich.
Stosując kontrast w skalach elementów, można tworzyć różne efekty.
Równowaga jest ważna na wiele sposobów. Twoje projekty nie są wyjątkiem.
Ale jak znaleźć idealną równowagę w naszych projektach? Aby to zrobić, rozważ dwa typ ogólny balansować.
Równowaga symetryczna. Tworzy symetrię w projekcie. Układając ważne elementy od prawej do lewej, od góry do dołu, tworzysz dla użytkownika odpowiednie poczucie równowagi.
Asymetryczną równowagę osiąga się poprzez proporcjonalne rozproszenie i skalowanie elementów.
W powyższym przykładzie trzy środkowe okręgi są największe w projekcie. Jednak równoważy je zastosowanie poprawnej typografii, linii wiodących oraz małego, ale wyraźnie narysowanego kółka w lewym dolnym rogu.
Dobrym sposobem na uzyskanie asymetrycznej równowagi jest wyobrażenie sobie, że każdy element ma rzeczywistą wagę. Małe przedmioty ważą mniej, duże obiekty odwrotnie. Można sobie także wyobrazić, że na wagę wpływa przejrzystość tekstury obiektu (czystsze obiekty ważą więcej). Zatem ułóż elementy tak, aby nie przeważały nad sobą.
Używaj elementów, które się uzupełniają.
Czy słyszałeś o kolorach uzupełniających w projektowaniu stron internetowych? A co z dodatkowymi elementami?
Dobra i efektowna kompozycja powstaje wtedy, gdy każdy element uzupełnia się z innym, tworząc całościowy obraz. Częstym błędem w kompozycji jest wybieranie obrazów, które do siebie nie pasują. Dlatego też, używając kilku obrazów w kompozycji, staraj się, aby były one połączone. Aby to zrobić, musisz przestrzegać kilku wskazówek
Kontrast jest niezwykle przydatnym narzędziem do wskazania znaczenia elementów w projekcie strony internetowej. Zwiększając kontrast lub stosując kontrastowy kolor, możesz wysunąć element na pierwszy plan lub go ukryć.
Białe przestrzenie w projekcie, jeśli zostaną prawidłowo użyte, mogą pomóc w dodaniu przejrzystości i ulepszeniu projektu widok ogólny równoważąc bardziej złożone i żywe elementy projektu.
Oto kilka sposobów wykorzystania białych znaków w projekcie:
Tworząc kompozycję elementów projektu, nigdy nie należy po prostu wrzucać ich wszystkich na stronę, ponieważ wyrównywanie elementów to szybki i łatwy sposób na zmianę projektu ze przeciętnego do świetnego.
Wyrównywanie elementów pozwala stworzyć logiczny porządek w projekcie strony internetowej, który rozdziela wiele elementów.
Podstawy kompozycji w projektowaniu graficznym obejmują wiele aspektów, które można uwzględnić, aby osiągnąć doskonałe rezultaty.
Zwracam uwagę na kolejny artykuł z serii poświęconej podstawom projektowania graficznego. Chcę w nim porozmawiać podstawowe prawa kompozycji. Bardzo często prawa te nazywane są zasadami projektowania, jednak moim zdaniem projektowanie jest dość obszerną nauką i rządzi się w niej zupełnie innymi zasadami. Ich opis można znaleźć w książkach poświęconych podstawom teorii i metodologii projektowania.
Dlatego przede wszystkim proponuję pamiętać o pojęciu kompozycji.
Kompozycja to organizacja, układ i łączenie różnych elementów graficznych, sztuka ich rozmieszczenia, najważniejszy składnik formy artystycznej, serce projektowania graficznego. Gdy nie ma kompozycji, nie ma projektu.
Układ elementów układa się w logiczną sekwencję, która determinuje odbiór dzieła jako całości.
Najważniejsze prawa kompozycji Myślę co następuje:
Na zdjęciu po lewej stronie dwa koła są w stanie równowagi; jeśli je rozdzielimy, to pojedynczo będą wyglądać na niezrównoważone. Na zdjęciu po prawej ta sama para kół, ale przesunięta względem osi kwadratu, wygląda na niezrównoważoną.
Najbardziej oczywistym przykładem zrównoważonej kompozycji jest symetria, choć równowaga nie zawsze jest symetryczna. Jak zapewne się domyślacie, osiągnięcie równowagi w asymetrii jest trudniejsze.
Spójrz na przykład:
W przypadku kompozycji w projektach graficznych jednym ze sposobów sprawdzenia integralności jest zakrycie części obrazu, a przekaz, jaki niesie, powinien się zmienić. Jeśli się zmieni, kompozycja jest kompletna.
Od razu ostrzegam przed możliwymi nieporozumieniami: środek semantyczny nie jest w żaden sposób powiązany ze środkiem geometrycznym kompozycji. Może też istnieć więcej niż jedno centrum kompozycyjne.
Aby uzyskać więcej kompletna wiedza Radzę zwrócić się do książek, w których w pełni zrozumiałe są podstawowe prawa kompozycji (w odniesieniu do sztuki piękne). W znajdziesz kilka takich książek.
Umiejętności stworzenia odpowiedniej kompozycji są bardzo ważne dla grafika. Chcę podkreślić słowo „ umiejętności", ponieważ wiedza, której nie możesz zastosować w praktyce, jest nic nie warta. Dlatego koniecznie ćwicz, poświęć na to od 20 minut do 1 godziny dziennie, a wynik będzie oczywisty!
Tradycyjnie życzę sukcesów w staraniach, więcej wytrwałości i cierpliwości!
